1001 discos nacionais

Tropicália ou Panis et Circences (1968)

2012-01-08T13:48:00.007-02:00

Após mais de 200 resenhas de discos no presente Blog, reparei que até o momento, não constava simplesmente um dos discos mais geniais: Tropicalia ou Panis et Cincences, de Caetano, Gil e toda trupe tropicalista. Talvez a razão pela demora esteja justamente no fato de ser tão fundamental na discografia brasileira e mundial (poderia ser hors concours em qualquer lista do gênero), que é uma grande responsabilidade resenha-lo aqui.

Impulsionados pelo impacto de suas músicas no festival da Record de 1967, Caetano, Gil, Mutantes e companhia (ilimitada nesse caso) resolveram tocar o projeto em frente e lançar um disco que se tornou uma espécie de Manifesto do Tropicalismo. Sintomaticamente, sua gravação iniciou-se justamente em maio de 1968, ao mesmo tempo em que o mundo explodia em protestos e revoluções. No caso particular desse disco, pode-se dizer que serviu para revolucionar a música brasileira, superando debates entre bossa nova e jovem guarda, e trazendo ideais da Semana de Arte Moderna de 1922 para a música brasileira.

Contando com arranjos vanguardistas do maestro Rogério Duprat (falecido em 2006), sem receio de misturar sons e influências diversas, o resultado não poderia ser melhor. Possivelmente, o lançamento de Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band, dos Beatles, também influenciou na concepção desse disco.

O disco abre com o som de órgão de igreja para ser interrompido por um sininho que lembra vendedores ambulantes de rua em “Miserere Nobis”, de Gilberto Gil e Capinan, interpretado pelo Gil. Nessa canção já dá para ter uma ideia da profusão de sons que constituirá o restante do álbum.

Em seguida, Caetano interpreta “Coração Materno”, uma velha seresta de Vicente Celestino que, curiosamente, faleceu em agosto de 1968, quando estava de saída para assistir a um show de Caetano e Gil. A minha tese é de que a inclusão de uma seresta de 1951 no disco foi uma espécie de provocação à Bossa Nova, cuja uma das bandeiras tinhas sido se contrapor ao jeito de cantar velhas serestas.

Curiosamente, a canção “Tropicália’, de Caetano, ficou fora do disco, mas certamente a outra que deu nome ao disco acabou sendo uma das mais marcantes: “Panis et Circenses”, de Gil e Caetano, outra que se tornou clássica na interpretação dos Mutantes. O interessante é que música está repleta de “brincadeiras”, como o som de vitrola desligando no meio da música para retomar em seguida, assim como a sonorização de uma verdadeira sala de jantar, com direito à voz de Manoel Barenbein (produtor do disco) pedindo para passar a salada tendo, ao fundo, o som de Danúbio Azul. Essa canção também fez parte do primeiro disco exclusivo dos Mutantes, lançado no mesmo ano.

No avesso do espelho...Mas desaparecida...Ela aparece na fotografia...Do outro lado da vida. A canção seguinte, “Lindonéia”, de Caetano e Gil, recebe a interpretação da ex-bossanovista Nara Leão, simbolizada na capa do disco com uma retrato enquadrado em preto e branco.

É somente requentar... E usar... porque é made, made, made, made in Brazil. Tempo para a crítica inteligente e satírica de Tom Zé em “Parque Industrial”, contando com a participação de praticamente toda a trupe tropicalista na interpretação. Outra canção marcante.

Depois de “Geléia Geral” (Gilberto Gil e Torquato Neto), com a voz de Gil e sons de fanfarra reforçando o toque circense, vem “Baby” (de Caetano) na voz divina de Gal, acompanhada de leve por Caetano. Trata-se de outra canção marcante da música brasileira.

Nessa verdadeira salada geral do tropicalismo também tem espaço para o ritmo caribenho em “Tres Caravelas”, versão de João de Barro para “Las Tres Carabelas” originalmente gravada pelo The Shadows, que no presente disco foi interpretada por Caetano e Gil.

O disco segue ao som de clarins que remetem a bandas militares em “Enquanto seu lobo não vem”, mais uma canção com uma sutil e inteligente crítica ao momento político. Destaque ainda para o trecho da Internacional Comunista inserido logo após o verso: Vamos passear nos Estados Unidos do Brasil...Vamos passear escondidos.

A brilhante voz da Gal Costa ressurge em “Mamãe Coragem”, de Caetano e Torquato Neto, uma espécie de manifesto feminista tropicalista, seguindo com os batuques de “Bat Macumba” de Gil e Caetano que se tornou clássico na voz do primeiro, contando ainda com a participação dos Mutantes (essa canção também fez parte do repertório do primeiro disco dos Mutantes, lançado também em 1968).

Para finalizar (e confundir ainda mais os ouvinte), “Hino do Senhor do Bonfim”, com a participação de quase todos tropicalistas, ao som de banda.

Importante citar também a genial capa do disco, que contou com todos os tropicalistas posando como se fosse uma tradicional família brasileira, com diversos detalhes interessantes, como as guitarras empunhadas pelos irmãos Baptista como se fossem armas revolucionárias (na época se debatia a pertinência das guitarras na música brasileira); ou ainda o penico nas mãos de Rogério Duprat como se fosse uma xícara de chá, além da já citada foto da Nara Leão.

A importância desse disco é tão grande que serviu de inspiração para importantes nomes da música internacional como David Byrne e Beck entre outros. 25 anos depois, Gil e Caetano fizeram uma versão 2 do Tropicália, já resenhado aqui também . De fato, Tropicália ou Panis et Cincencis abalou as estruturas da música brasileira ao romper com conceitos e preconceitos. Se a ideia era abalar as estruturas da música brasileira, os tropicalistas podem se vangloriar do pleno sucesso obtido na empreitada. Cabe à gente reverenciar eternamente esse manifesto em forma de disco.

[Paul]

(RE)Gil: o outro lado do lado de cá (Refavela - 1977)

2011-12-22T11:19:00.004-02:00

Escuto o Refavela do Gil. Impossível o Refavela sem o Refazenda. Ou melhor: impossível não é. Mas um é melhor com o outro. Um é o lado B do outro lado A. Yin e Yang.

Gil assina um manifesto sobre o Refavela: o Zeca Total enquanto o Refazenda seria o Jeca Total. É uma pista.

Refavela vila/abrigo das migrações forçadas pela caravela.

Mas Gil vai além. Este disco tem uma sonoridade de volta. Tem um ar da costa oeste africana. A sensação de quem vê o sol nascendo atrás do morro e se pondo dentro d’água. Há certa solidão, um ar introspectivo que me lembra o embarque do Amyr Klink naquela mesma costa oeste.

África, lado A do Brasil, lado B da África.

Não posso avaliar o impacto deste disco à época do seu lançamento, já que, nessa época minhas preocupações não transcendiam muito o estrelão ou a garagem de matchboxes... Só conheci o disco muito depois. Sempre me impressionou. Não canso de ouvi-lo. Uma das vantagens deste é que raramente se encontram suas canções em coletâneas por aí. Nenhuma parte se desassocia do todo, nenhuma se sobressai, e parece que soltas, ficam com saudades, como se ouvir uma de canções traísse o resto do disco.

Refavela, a canção é ponto de partida. É a caravela fazendo a viagem de volta. Por quê? Porque se você soubesse o valor que preto tem, tu tomava banho de piche e virava preto também... canta em Ilê Ayê, de Paulinho Camafeu. E vamos rumo ao Norte da Saudade, que eu vou ver meu bem, aganjú, xangô, alapalá!

O melhor lugar do mundo é aqui. E agora. Zengil. Sua obra é bastante zen, e esta música é sua mais completa tradução. Aqui onde indefinido. Agora que é quase quando. Poesia pura. Música pura. Éter.

E como toda boa viagem, esta não poderia deixar de ser também em torno de si mesmo. É só balançar, que a corda me leva de volta pra ela, a torre no alto da montanha. Porque deus fez tão bonitas as Marias que aparecem na vida, sussurrando no ouvido, tomando chafé no hospício, laços de fita rosa choque e azul... E mais que ninguém Gil balança, e quem não balança com ele? Difícil escolher uma entre tantas músicas lindas neste disco maravilhoso, mas Sandra...

Gil não viaja sozinho. Gosto dos teclados do disco. Gosto muito dos elementos percussivos, menos pro samba, mais pra mãe África. Gosto muito do violão que tá diferente aqui. Gosto do sopros transitando entre o reggae o soul e a gafieira. Sobretudo gosto muito da guitarra de Perinho Santana. Seja nos pequenos comentários, seja nos solos esparsos, ele é elemento chave no disco, o toque de um artista que se entende com o grande mestre, Perinho mistura Hendrix e a Cor do Som. Perfeita companhia pro nosso Gilberto.

Gil volta, não na caravela mas no (Samba do) Avião. Só que, diferente do vôo original do maestro que retornava dos esteites, da grande maçã e seus carneggie hall, Gil volta da África. Seu vôo é multicor, festivo. Note a intro da música: baixo, teclado, tamborim, chocalho e a guitarra vão embarcando suavemente... E vem vindo sopros, voz, violão... Pura psicodelia gilbertiana... Pronto, mais uma favorita...

Quem volta de viagem, morrendo de saudades, chega com a bagagem repleta de novidades e aprendizados, e Gil chega com a mensagem de uma Era Nova, e incluso nas descobertas dalém mar, o Balafon.

E como quem tá de volta, cheio de banzo: eu quero é moqueca! Gil celebra sua volta e (auto)reencontro com a Patuscada de Gandhi.

Refavela, o Expresso 2222 e Realce são meus discos favoritos, do meu artista favorito. La crème de la crème...

[M, a um amor que conheceu a costa leste e seu índico oceano]

O paradeiro de Arnaldo Antunes em 2001

2011-12-05T14:48:00.005-02:00

Comprei este disco no embalo dos anteriores do Arnaldo, principalmente Um Som (1998) do qual eu sempre gostei muito. Foi uma decepção. Na época, tentei escutar umas três ou quatro vezes e o disco não desceu, não rolou aquele conhaque Dreher... Engavetei. Anos mais tarde, ouvi uma de suas músicas (nem lembro qual) no rádio do carro. Achei muito boa! Cheguei em casa pensando: Eu tenho o disco com essa música em casa, tenho não? Coloquei o paradeiro pra rodar. E ele não parou...

Agradável surpresa, taí um disco que envelheceu bem... Fui ouvindo e degustando faixa por faixa. O problema (meu) com o disco talvez tenha sido porque o Arnaldo resolveu escapar da sonoridade que ele vinha polindo desde que saiu dos Titãs e que culminou em Um Som. De repente, quando o negócio tava bacana, ele resolveu, em vez de trazer mais do mesmo, (de leve) se reinventar e "andar à beira do precipício"...

Começa pela produção: Carlinhos Brown. Arnaldo desmontou a banda com a qual trabalhava (desmontou em termos porque Scandurra aparece ainda bastante, enquanto que Paulo Tatit e Zaba Moreau, aqui e ali) e juntou-se ao baiano para a empreitada. Na época ele já circulava bastante com ele e a Marisa Monte.

Provavelmente por conta da presença do Marrom, o disco traz uma sonoridade nova no catálogo do Arnaldo. Mais percussivo, mais sons, mais timbres... Sem descaracterizar o som típico da sua voz grave centralizada, enquanto os pequenos detalhes vão orbitando em volta.

Essa Mulher seria a música perfeita se a letra não fosse um lixo. Música é o reino do implícito, do não dito, do sugerido e ele opta por fechar este buraco com a letra. Talvez a sacada foi colocar num formato pop esta letra que beira o panfleto.

A faixa que dá nome ao disco, Paradeiro, é a (minha) melhor música do Arnaldo Antunes solo. Bem, nem tão só, a autoria é dividida com os tribalistas Carlinhos Brown e Marisa Monte. Ela que o acompanha de maneira brilhantemente apropriada nos vocais.

Haverá paradeiro para o nosso desejo dentro ou fora de um vício

Uns preferem dinheiro outros querem um passeio perto do precipício...

Uns vão de paraquedas outros juntam moedas antes do prejuízo

A vida é curta. Curta a vida enquanto ela se encomprida. Sou fã de carteirinha dessa letra. Não lembro na música brasileira de ninguém ter dado esse recado de maneira mais bela, e por incrível que pareça, mais (in)direta...

Se tudo pode acontecer, se pode acontecer qualquer coisa, um deserto florescer, uma vuvem cheia não chover... pode alguém aparecer e acontecer de ser você...

Linda balada, canção delicada... com uma guitarra reversa do mestre Edgard, um belo solo de sax de Roninho Scott, percussão na medida com Mr. Brown e a participação especialíssima de Guga Stroeter no vibrafone.

E já que o paulistoca andava se abaianando, Na Massa é fruto de uma feliz parceria com Davi Moraes (a música já aparecia em seu Papo Macaco). Lembra o pré-axé da Cor-do-som temperada com as guitarras maneiríssimas do Scanda, fazendo contraponto à levada rítmica do próprio Davi...

Debaixo d’água é a música com som disso mesmo. Brincadeira divertida com os nosso paraísos utópicos, debaixo d’água tudo é maravilhoso, mas... tinha que respirar! Seu contraponto é o rap-candomblé Cidade. De novo mostra o Arnaldo quase experimental, falando da cidade, dura realidade.

Cidade sem mar, mas com montanhas de neve de isopor, despedaçado sob o néon amanhecido, ruído de motor...

Mas não tinha que respirar, né? Pelo menos não tem que ter esta preocupação (ainda): respirar é involuntário em meio a este caos... E ainda na trilha da invenção, temos O Mosquito. Um trip-hop semi-acústico. Gosto do som. Desentendo completamente a letra

Parceria de Arnaldo com Paulo Tatit e Sandra Peres, Do Vento já havia sido gravada pela Palavra Cantada num disco parceiro com as histórias de Ruth Rocha. A intenção é (era?) o público infantil, mas essa música é uma obra-prima... Linda melodia, uma letra que é um autêntico poema e o arranjo que canta uma música que já tem tudo, sem acrescentar demais e sem roubar a ênfase no essencial. Comentário embelezante, este é outro ponto alto do disco. Essa música é aquela que eu queria ter feito. E poderia morrer feliz.

Ainda canta Luzes de Paulo Leminski que ficou muito legal numa levada multi-violões... Essa noite vai ter sol é o comentário poético sem juízo de valor sobre a intervenção do homem na natureza na forma de noite. Aliás, depois do vento e da água, reparo que neste disco, Arnaldo trata dos assuntos da natureza de uma maneira não-dogmática, daí a parceria com Carlinhos ter sido extremamente feliz: a banda que ficou no disco anterior tinha uma sonoridade mais urbana, mais rock.

Atenção: essa vida contém cenas explícitas de tédio no intervalo da emoção... Arnaldo adverte já na abertura do disco, em poema musicado de Alice Ruiz. E este disco, quase que um retrato da vida, não poderia ser diferente. Nem tudo é legal (aliás, uma tônica do trabalho do Arnaldo, que gosta de misturar e, enfim, o resultado nem sempre agrada à todos, não é?), temos aqui uns intervalos de tédio...

Escurissíssimo é a música do disco a ser pulada. Hora de pegar uma na geladeira, tempo de ir ao banheiro e deschavear o que tiver chaveado demais... Santa também pode ser pulada, que não fará falta. O disco fecha com Lembrança Vó, que é uma vinheta totalmente Carlinhos Brown. Ficou interessante. No máximo.

Também me decepciona um pouco a versão bossa-nova do super Exagerado mais querido de todos (Cazuza), voz quase que só falada e violão, num formato que Arnaldo Antunes ainda viria a explorar em trabalhos posteriores, e que, cá pra nós, não é seu forte. Uma pena, porque a música é sensacional e merecia mais. De qualquer forma, mostra o cantor trilhando outros caminhos, arriscando à beira do abismo. Fazer o que? O disco é dele, pô!

Com tudo isso, Paradeiro é mais que um disco, é quase um emblema do Arnaldo Antunes. Honesto, livre e vivo.

[M]

Ultraje Acústico (2005)

2011-11-22T12:13:00.003-02:00

O Ultraje a Rigor ficou refém do disco Nós Vamos Invadir sua Praia, lançado em 1985, e que é até hoje, um dos melhores do roquenrou tupiniquim já lançado. Já resenhado aqui, a bolacha era incomparavelmente dinâmica e contínua, daqueles (poucos) discos que colocados na vitrola, vão sem parar, vira lado A, lado B e ninguém cansa.

Fino representante da veia musical tipicamente paulistana, seu humor inteligente (Roger que é quase que sinônimo de ultraje) revisita o espírito de Adoniran, dos Mutantes, Premê e Língua de Trapo. Mas é claro: com sotaque próprio e (muito bem) calçando a irresistível botina do rock’n’roll.

Nesses anos todos, a banda lançou apenas 4 discos autorais com inéditas, 2 de releituras, 1 ao vivo (fora este aqui), e uma penca de coletâneas sobre as quais não têm a menor responsabilidade. Sendo que nos três primeiros anos de vida (leia-se: na mídia) saíram as obras fundamentais, como (o ainda não resenhado) Sexo! de 1987 juntando-se ao já supracitado.

Tudo isso pra dizer que no já típico especial Acústico MTV o repertório nem poderia deixar de ser baseado neste início meteórico de carreira. São simplesmente 8 canções desse primeiro disco (ficam de fora apenas Marylou, Eu me Amo e Se Você Sabia) e 4 do segundo (a favorita do Zeba, Terceiro saindo só no DVD).

Para este acústico da MTV o Ultraje foi na direção oposta àquela escolhida por contemporâneos como Paralamas, Ira e Titãs. Ao invés de aproveitar o formato do projeto para reinventar o repertório aproveitando naipe de sopros e orquestrações mirabolantes, o ultraje decidiu simplesmente manter o formato original das canções (quase) sem concessões.

Nas poucas variações, foram extremamente felizes como, por exemplo, na havaiana introdução para Ciúme que ficou sensacional. A instrumentação ficou a cargo dos violões de Roger e Sérgio Serra (que usa e abusa da pedaleira, conferindo ares de guitarra ao instrumento), e do convidado Ricardinho (muitas vezes no violão de 12). Com esta formação, e com Roger e Ricardinho tocando as sequências de acordes típicas do Ultraje, Sérgio Serra fica encarregado dos solos e licks característicos, muitas vezes fermentando a massa sonora dos outros dois, conferindo a este acústico, som de rock mesmo, muito mais do que de “luau”...

Da formação original de 85, só sobrou Roger. Hoje, temos Mingau e Bacalhau na cozinha (baixo e batera, respect.) e convidados especialíssimo para o show: Manito no Sax, Osvaldinho (Premê) no piano... Fuçando descobri que Edgard Scandurra foi membro fundador da banda!

Bem, voltando ao disco: pra quem abandonou (como eu. Ou teríamos nós sido abandonados?) o Ultraje em 1987, o melhor é ouvir as “novas” canções. Filha da Puta (canção de 89 que teima em se manter atual), Ah se Eu Fosse Homem (de 93, continuando a história de Ciúmes), Nada a Declarar e (uou uou uou, uou uou!!) Giselda (ambas de 99, embutidas num disco ao vivo); e as realmente novas, Cada um Por Si, Me dá um Olá (que tem um lindo arranjo vocal a La Beach Boys), Agora é Tarde e Eu Não Sei (versão em português para I Can’t Explain do The Who, que teria sido encomendada pelo Edgard...). De todas essas, nenhuma canção é tão revitalizadora como Nada a Declarar e seu refrão libertário. Só ouvindo pra saber o que estou falando, é a música favorita das crianças aqui em casa.

De certa forma, depois de Invadir a nossa praia há 25 anos, Roger desprezou o mundo do estrelato total e preferiu ser uma espécie local hero. Hoje a banda faz o papel de “quarteto onze e meia” no (fraquíssimo) programa do Danilo Genitili. O que pode parecer um ultraje aos fãs, pelo menos do ponto de vista do Roger tem a vantagem de poder sair pra tocar toda noite, dirigindo seu próprio carro...

[M]

Os: Este ano, o Ultraje tocou na virada cultural em Curitiba e no SWU em Paulínia (viajando pelo chão, hehe), onde protagonizou um quebra-pau com Peter Gabriel...

A vida em seus métodos diz calma (Di Melo - 1975)

2011-10-27T13:10:00.014-02:00

Tornando a estória longa, curta, em uma das nossas intermináveis discussões, Mateus me cobrou escrever sobre Di Melo. Ok, grande escolha, cá estou, defendendo esse herói não cantado. E logo daqueles difíceis de entender como é que não fez sucesso e como ficou tanto tempo no anonimato. Ele colaborou, sumindo. Pois é, o cara deu o wazari, ninguém sabia onde ele foi parar e após décadas acharam até que tinha morrido. Só que se esqueceram de avisa-lo que, quando soube, se declarou "imorrível".

Mestre do suingue fácil, de voz malandra, interpretação experta, forte, nordestina, daquele jeito pernambucano de tornar seu sotaque universal. É só ouvir esse seu único disco pra sacar o que eu tô falando. Tem suingue pra todo lado, bem na linha black brasileira, q se misturava com samba, funk, xaxado, MPB, soul, reggae, sem preconceitos.

Ele tem também aquela onda nordestina dos anos 1970 que veio com Fagner, Ednardo, Ze Ramalho, Alceu, aquelas misturas lisérgico-sertanejas, viajandonas, engajadas, surrealistas, Bob Dylan no sertão. Confesso que me empolguei tanto com o balanço que achava chata a parte lenta. Bobagem. Até porque, elas são metade do disco. É que o ritmo é tão gostoso que toma conta.

É questão de humor. Questão apenas de separar lado A e B, coisa q aliás ele num faz, mas deveria. Porque tem uma sequência dançante matadora que deveria estar definitivamente junta, pra galera poder tocar em festa sem preocupação de mudar a música. Ainda mais nos tempos dos LPs. E até faria mais justiça à parte MPB que acaba passando despercebida.

Mas ao que interessa...

O disco já chega chegando, com o baixo chamando a gente pra dançar Kilariô, convite aceito de cara pelos metais.

A poesia já é cheia de ritmo:

“Kilariô! Raiou o dia eu vi chover em minha horta.
Ai, ai meu deus do céu quanto eu sofria ao ver a natureza morta.
Tinha mandioca pra farinha e o milho pra galinha e o capim para vaquinha e o feijão quem compra gosta.”

Mas não é por causa letra que tô dançando enquanto escrevo essa resenha. A banda é um caso a parte, encontro de cobra criada: Heraldo do Monte, Violas e Violões; Cláudio Beltrame no contrabaixo (clap clap clap clap clap um monstro! Um dos baixos mais suingados e criativos que já dancei); Ubirajara, pai de Taiguara, no bandoneon; Dirceu, na bateria; Bolão, no sax; arranjos e violão, do maestro Miguel Briamonte; e o grande Hermeto Paschoal, nas flautas, teclados suingadissimos, arranjos e produção. Ou seja, num tem menino amarelo na parada.

A isso Di Melo junta sua divisão rítmica personalíssima, rara, contagiante, que deixaria Jackson do Pandeiro orgulhoso do pupilo. Lá pelas tantas, a(s) vocalista(s) (Eloá, você tava sozinha nessa ou tinha mais gente?) soltam um uuuuuuuuuuuu q se não te der tesão pode ter certeza que seu negócio não é mulher.

A segunda música é pura filosofia de vida, riponga, zen. Mas hedonista, como é que não, com esse ritmo? Os grngos sacaram e volta e meia ela aparece em alguma coletânea pelo mundo:

"A Vida em Seus Métodos Diz Calma
Vai com calma você vai chegar.
Se existe desespero é contra a calma
E sem ter calma nada você vai encontrar".

Anti-stress pra ouvir e dançar no trânsito:

“Calmas nas oficinas
nos postos de gasolina,

Principalmente nas maternidades,
hospitais e escolas”.

A terceira é Aceito Tudo, a bateria quebrando tudo.

Daí pula pra 7^a música, pra manter a pista cheia. Pernalonga começa com um violãozinho jorgebeniano safado, preguicoso, pra logo atacar os metais e o baixo ir carregando a preguiça.

Depois, Minha Estrela:

“Minha Estrela, vi tua imagem refletida em meu espelho.

Parei no ar com teu jeitão frio e matreiro

E fiz voltar o teu sorriso prateado”.

Pra completar esse quarto de hora de alegria e diversão, Se o Mundo Acabasse em Mel deixa um recado pra galera estressada, desaceleraê, galera, e vamos curtir:

“Deu pane no nervo do cérebro.

Taquicardia e revertério.

Momentos trágicos e instantes sórdidos.

(...)

A ele eu dizia que queria morrer doce quando o mundo acabasse em mel.”

Como ele diz, coberto de razão: “Meu som não deixa nada a desejar para o que houve, há, e, haverá no mercado musical. Digo, repito, atesto, e, assino embaixo, sem medo de errar e sem falsa modéstia. É muito swing, balanço, molho, charme e malemolência, pois nem Santo Antonio com gancho consegue segurar.”

Esse disco deveria estar naquelas cápsulas cheias de coisas especiais que o ser humano faz e que de tempos em tempos são lançadas no espaço, de presente para alguma civilização “perdida” por aí, para eles saberem que apesar das merdas que a gente faz, de vez em quando manda bem. Se algum dia algum extraterrestre abrir a cápsula com esse disco, vai ter um monte de marciano chacoalhando as antenas, dançando, felizões, loucos pra pegar o primeiro bonde pro planeta Terra.

Adriana Calcanhoto, Enguiço, 1990

2011-10-22T21:03:00.004-02:00

Esse blog está com aproximadamente 200 discos resenhados e percebi que está faltando, entre outros, pelo menos um trabalho da Adriana Calcanhoto. Visando reparar essa injustiça, resolvi postar um CD dela, optando justamente pelo primeiro: Enguiço, lançado em 1990.

Muito conhecida hoje por trabalhos autorais, já que nos últimos CDs a maioria das canções são de autoria própria, nesse primeiro disco ela optou por priorizar seu lado intérprete, ainda que também tenha músicas próprias, como “Enguiço” (que deu nome ao disco) e “Mortaes”.

Embora eu goste muito de suas composições que certamente contribuíram para consolidar sua carreira nesses mais de vinte anos, esse primeiro disco acabou ficando marcado por algumas interpretações de canções de outros músicos, mas que com a voz e arranjos dela, adquiriram vida própria.

Eu hoje ando atrás de algo impressionante... Que me mate de susto... Um impulso...Um rompante...

Depois de iniciar com a citada “Enguiço”, ao som de uma banda de metais (saxofones, trumpetes, trombones, etc), vem “Naquela Estação”, bela canção de João Donato, Caetano Veloso e Ronaldo Bastos que tocou muito nas rádios na época e serviu para apresentar Adriana Calcanhoto ao público:

e o meu coração embora...finja fazer mil viagens...fica batendo parado naquela estação..

Em seguida, ela transformou completamente a canção do Roberto e Erasmo “Caminhoneiro” (cuja original eu particularmente não gostava). Com novo arranjo e uma voz límpida, o resultado ficou muito bom. Em seguida, fez a mesma coisa com “Sonífera Ilha”, desacelerando completamente a conhecida música dos Titãs, incluindo cordas e empregando à canção um novo sentido.

Disseram que voltei americanizada... Com o burro do dinheiro, que estou muito rica...Que não suporto mais o breque de um pandeiro...Que fico arrepiada ouvindo uma cuíca...

Ao interpretar velha canção de Luiz Peixoto e Vicente Paiva feita para Carmen Miranda, quando retornou ao Brasil após sua primeira viagem aos Estados Unidos, Adriana Calcanhoto consegue outro belo resultado.

Meu bem o azar foi seu...eu ganhei o carnaval....porque você perdeu...e me perdeu...

Na sequência, Calcanhoto desfila seu “Orgulho de um Sambista”, de Gilson de Souza numa suave canção de amor de carnaval.

Nunca... em que o mundo caia sobre mim...Nem se Deus mandar nem mesmo assim...As pazes contigo eu farei....

Fiel às suas origens (ainda que hoje seja, antes de tudo, uma cantora brasileira), ela ainda inclui no repertório “Nunca”, de Lupicínio Rodrigues, o mais clássico compositor gaúcho, novamente acompanhada por instrumentos de cordas que valorizam sua voz.

Depois de “Pão Doce” de Carlos Sandroni, que conta com a participação do também gaúcho Renato Borghetti (Borghettinho) e de “Mortaes”, a segunda música autoria própria nesse seu primeiro disco, ela finaliza com a bem humorada “Injuriado” de Eduardo Dusek, acelerando o ritmo, dando boa demonstração de sua versatilidade.

Quando voltei foi então que pude constatar
Que não adianta fazer nada
Pra essa coisa melhorar
E então melhorei!...

Desde o lançamento desse disco, Calcanhoto (que também desenvolve excelentes trabalhos paralelos como Adriana Partimpim) vem consolidando cada vez mais sua carreira e hoje é, certamente uma das cantoras e compositoras brasileiras mais versáteis. E embora discos posteriores dela possam ser considerados até melhores, Enguiço serviu como cartão de visita de uma intérprete que concilia suavidade com personalidade. Felizmente para nós, ela seguiu atrás de algo impressionante.

[Paul]

PS: para escutar algumas músicas desse disco:

http://grooveshark.com/#/playlist/Adriana+Calcanhoto+Engui+o/62137616

Tudo Azul....Tudo Azul meu Amor

2011-10-20T16:57:00.006-02:00

Em 1999, paralelamente ao trabalho de cantora e compositora, Marisa Monte decidiu resgatar todo o trabalho da Velha Guarda da Portela, cuja comunidade em Madureira tinha forte relação (seu pai - Carlos Monte - tinha sido diretor da Escola de Samba). O resultado ficou belíssimo, a começar pelo encarte. Em uma época em que as gravadoras estavam reduzindo os custos e os CDs vinham com pouco material, Tudo Azul vai na contramão, incluindo letras cifradas e páginas azuis com trabalho artístico de primeira (fotos de Rodrigo Monte).

A seleção das músicas também foi digna de louvor,incluindo canções dos principais expoentes da Velha Guarda da Portela: Monarco, Alvaide, Chico Santana, Chatim, Manacéia, Áurea Maria, David do Pandeiro, Candeia, Alvarenga, Jair do Cavaquinho, Colombo, Casquinha, Ramon Russo, Casemiro da Cuíca, Alberto Lonato, Josias e Ventura, autores das 18 canções gravadas.

Com “Portela desde que eu nasci”, o disco inicia-se marcando terreno:

Eu sou portela ...Desde os tempos de criança...Ainda guardo na lembrança...Algo e vou revelar

Em seguida, a inspirada letra de “O Mundo é Assim” (Alvaiade) dá o tom ao mesmo tempo nostálgico e filosófico:

O dia se renova todo dia
Eu envelheço cada dia e cada mês
O mundo passa por mim todos os dias
Enquanto eu passo pelo mundo uma vez

Continuando com a clássica “Nascer e Florescer”, na Manacéa, na voz de Monarco e emenda com “Vai Saudade”, canção em que se destaca o cavaquinho de Jair do Cavaquinho (com o perdão da redundância).

A temática nostálgica prossegue nas músicas seguintes (“Vai Saudade” e Sabiá Cantador”), e acaba levando a memória do ouvinte a uma agradável tarde de sábado regado a cervejinha em uma mesa de bar, acompanhado de bons e velhos amigos.

Em “A Noite que tudo Esconde”, destaca-se a participação especial justíssima de Paulinho da Viola, que afinal de contas, é o responsável direto pela primeira constituição da Velha Guarda da Portela em 1970 (informação que consta do próprio encarte de Tudo Azul).

Depois de “Eu te quero”, “Volta meu amor” conta com a participação especial da própria Marisa Monte, e o resultado não poderia ter sido melhor: Uma canção belíssima:

Volta, volta, meu amor
Quero sentir novamente seu calor

O disco segue em melhor estilo com “Falsas Juras” (Eu já lhe disse.... Que não quero mais o seu amor porque... As falsa juras nos seus beijos... Me fizeram padecer) e emenda em “Tentação”, bela canção levada só com a cuíca e voz de Casemiro da Cuíca.

Você me abandonou...Ô ô eu não vou chorar...Mas hei de me vingar...Não vou te ferir...Eu não vou te envenenar...O castigo que eu vou te dar é o desprezo...Eu te mato devagar (...).A dor de cotovelo levada de forma alegre permanece dominante na canção “Você me abandonou”.

O rtimo cadencia em “Vem Amor” para acelerar novamente em “Benjamim” e emendar em “Tudo Azul”, canção que providencialmente batiza o disco, em referência não só ao bem estar, mas também à cor da tradicional escola de samba do Rio: “Tudo azul...Tudo azul...meu amor”.

A cadência mais lenta de “Minha Vontade” conta com a participação especial de Cristina Buarque para, em seguida, dar lugar ao ritmo do pandeiro e a cuíca em “Sempre o Teu Amor”.

Para finalizar, depois de mais uma participação do excelente cavaquinho de Mauro Diniz em “Corri pra ver” (ao todo participa de 4 canções), o disco encerra com a participação especial de Zeca Pagodinho, que divide o vocal com Monarco em “Lenço”: Pega esse lenço e não chora...enxuga o pranto, diga adeus e vá embora”.

E enxugando o pranto diante do término dessa preciosidade, o disco finaliza no melhor estilo. Com esse trabalho, Marisa Monte presta um grande favor a todos amantes da boa música, resgatando um trabalho que, antes de tudo, envolve emoção e sentimento, do tempo em que a música era, antes de tudo, uma manifestação cultural autêntica e não o ganha-pão de ninguém.

[Paul]

PS: para escutar o disco:

http://grooveshark.com/#/playlist/Dj+Paul+Velha+Guarda+Da+Portela+Tudo+Azul/62013188

Nem que seja pela última vez...

2011-10-18T12:23:00.005-02:00

“Invisível DJ” , de 2007, foi o último disco do Ira! com a sua formação clássica. Trata-se de um disco que passou batido, sem ter músicas tocadas nas rádios (fora poucas exceções) e até mesmo sem merecer maior destaque por parte dos fãs da banda, cuja maior preocupação, logo em seguida, recaia sobre o futuro da banda, que enfrentou sua maior crise com a briga grave do Nasi com o irmão empresário e o restante da banda.

Mais além de ter sido o último disco, também marcou um período em que o próprio formato de venda já apresentava fortes sinais de crise, já que passou a ser mais fácil baixar na internet qualquer disco do que compra-lo em lojas especializadas.

Nesse cenário, eu como um fã, comprei o disco assim que foi lançado antes mesmo de ouvir qualquer música (e quando a banda ainda estava aparentemente unida), sem esperar muita coisa, mas me surpreendi com a qualidade do som.

O disco abre com a canção que batizou o trabalho, com a guitarra do canhoto Edgard Scandurra a toda velocidade descrevendo a dura rotina de uma funcionária que pega 4 ônibus por dia embalada pelo som do dj das rádios.

Em “Sem Saber pra Onde Ir”, na única composição do Nasi nesse disco, o vocalista já dava os sinais dos seus próximos passos:

Eu não vou continuar aqui sozinho
esperando você vir
tenho que continuar, a minha estrada prosseguir
sem saber aonde ir

O ritmo muda em “Eu vou Tentar”, uma levada mais sossegada de Rodrigo Koala em que os sinais do fim e da saudade continuam em evidência:

Hoje eu saio cedo
Sem saber se vou voltar
Caminho entre os carros
Deixo a rua me levar
Vou ser feliz
Longe daqui

(...)

Eu vou tentar fazer você feliz...nem que seja pela última vez.

Em seguida, “Mariana foi pro Mar” narra a vida de uma garota que ao enfrentar uma crise conjugal, deu a volta por cima ao melhor estilo. Trata-se de uma das canções mais divertidas desse disco e com som de fácil audição. Agrada a gregos e troianos.

O rock volta a toda em “Não basta o Perdão”, novamente com a temática da separação e da crise conjugal:

é o desafio, meu bem
eis a questão
é preciso o amor não basta o perdão

Depois de uma espécie de blues em “Culto de Amor”, o Ira! resgata uma canção da década de 1970 de Walter Franco, uma espécie de músico da vanguarda paulistana, com “Feito Gente”. Pra mim, esse é o ponto alto do disco, uma letra que parece escrita sob medida para a voz do Nasi:

Feito gente, feito fase.
Eu te amei, como pude.
Fui inteiro, fui metade.
Eu te amei, como pude.

O disco segue com “Tudo de Mim” e “Universo dos seus Olhos”, para emendar com mais uma feliz parceria do Scandurra com Arnaldo Antunes em “A Saga”, ao melhor estilo do Ira! Sonzeira...

caindo, cai
descalço, vai
na beira da calçada

olhando, vê
assiste a quê
anda atrás de nada

catando lixo,
correndo o risco,
fazendo arruaça

chutando lata,
xingando placa,
fazendo ameaça
passa, passa

No final, a temática muda, abrindo espaço primeiramente para a crítica política em “O Candidato”, ainda que não muito inspirada (acho o ponto fraco desse disco) para fechar com a excelente “La Luna Llena”, cuja letra em espanhol casa bem com o tom revolucionário:

Déjenos un gran legado
De amor y resistencia
Tenemos siempre una nueva manera
De olvidar los sentimientos
Y el ódio y la ganancia
Se apoderan de nosotros
La guerra no escucha la canción
La guerra no tiene educación
No te da las buenas tardes
Buenas noches
Buenos dias
Fuego en su corazón
Y la luna está triste
Porque mira lo que hacemos
Aqui

Enfim ,trata-se do último suspiro do Ira! Meses após o lançamento desse disco ocorreu uma série briga que, a princípio, separou para sempre Nasi dos demais, deixando órfãos todos os fãs de longa data dessa banda. Felizmente deixaram como herança uma vasta obra com som marcante que continuará sendo escutada. E Invisível DJ certamente serviu para fechar com chave de ouro essa fase. Quem sabe com as voltas que o mundo dá eles não resolvem voltar a nos brindar com trabalhos desse calibre...Nem que seja pela última vez.

Para escutar o disco: http://grooveshark.com/#/album/Invisivel+Dj/3480309

[Paul]

PS: confesso que só depois de escrever (mas antes de postar) vi que o Mateus postou outro disco do Ira! recentemente...legal, serve com um diálogo.

Cabeça dinossauro, Titãs

2011-10-09T12:11:00.008-03:00

Que 1991 o caralho, o ano do rock nacional é 1986, porrrraaaa!!
(Aliás o mesmo dos sensacionais discos de metal Master of puppets e Reign in blood!).
Selvagem?, O futuro é vortex, Pânico em SP, O rock errou, Antes do fim, Dois, etc...

E este aqui, que é sensacional, forte, bruto e essencial!

Temas simples, críticas contundentes a coisas e instituições, porrada!
Às vezes resvala pro excessivamente simplificador e/ou simplório, mas em tempos politicamente corretos dá uma saudade dessa vitalidade adolescente 'foda-se'...

Vindos de um frustrado disco, 'Televisão', com produção do Lulu, onde não conseguiram dar o peso supostamente desejado, seguidos de problemas com a polícia (lembrando o gênio Keith "nunca tive problemas com drogas, só com a polícia"), onde Arnaldo e Bellotto foram presos por tráfico e uso, os Titãs acharam em Liminha, que antes tinha sido criticado pelo Branco Mello, um produtor parceiro, que soube transformar as boas ideias em boas execuções e num disco magistral, iniciando uma longa colaboração.

As ilustrações, tanto da capa contra da contracapa, são de Leonardo da Vinci, respectivamente, 'A expressão de um homem urrando' e 'Cabeça grotesca'.

A faixa-título, de P. Miklos/Branco M/A Antunes, que inicia o disco, traz elementos de um cerimonial de índios do Xingu. O show na época começava com esta! Poderoso som.

'AA UU' (S Britto/M Frommer) já vem na seqüência, com sua mistura original de funk e rock, numa crítica ou constatação da ansiedade, do sempre ter algo a fazer, uma preocupação constante e desgastante. Solinho de guitarra bacana, bateria quebrando tudo, sonzeira.

'Igreja' (N Reis) é mais uma crítica à instituição, o que dividiu a banda; Arnaldo, que acredita em Deus, saía do palco nas apresentações ao vivo.

'Polícia' (T Bellotto) é basicamente uma resposta raivosa ao episódio da prisão dos Titãs, uma pancada, que inclusive já foi coverizada pelo Sepultura.

'Estado violência' (C. Gavin) é um libelo anarquista pós-punk, com tecladinhos com pitch bends e tudo! Guitarras em estereo, muito legais!

Por falar em punk, 'A face do destruidor' (P Miklos/A Antunes) é um hardcore raivoso com efeitos bizarros, com certeza a música mais pesada dos caras, mesmo levando em consideração o 'Titanomaquia'. Em 38 segundos.

'Porrada' (A Antunes/S Britto) também é quase punk, principalmente pelo tema. Como canta feliz o amigo e colaborador Zeba 'a música que não tem em karaokê':
''Porrada nesses caras que não fazem nada"!!

'Tô cansado' (B Mello/A Antunes) pra mim é uma das dispensáveis do disco.

Ainda mais porque na seqüência vem 'Bichos escrotos', música antiga do repertório que só foi gravada pra este disco. Na época 'vão se fuder' (fuder ou foder??) era ofensivo e foi proibido pela censura. Mas mesmo assim as rádios tocavam a versão editada ou pagavam multa. A música é muito legal, guitarras suingadas e pesadas, um solo sensacional de baixo com wahwah!!

Os Titãs eram sete cabeças pensantes e opinantes, e isto se reflete tanto na dificuldade de decidir quanto na variedade de gostos e sons. Assim aqui temos um reggae, bem legal e um pouco ácido, 'Família'. Vocais de fundo bem legais, guitarrinhas pica-pau, baixo gordo, tecladinho no contra-tempo, taí a fórmula. Vc acha fácil? Vai fazer...

Mais crítica, agora ao capitalismo selvagem: 'Homem primata' (S Britto/M Frommer/ N Reis/C Pessoa), rock brasileiro pesado e divertido.

'Dívidas' (B Mello/ A Antunes) também é fraquinha e dispensável.

'O quê' (A Antunes) é uma surpresa no disco, letra experimental concretista, antecipando experimentos com funk, samples e música eletrônica que seriam mais presentes nos discos seguintes, 'Jesus não tem dente no país dos banguelas' e 'Õ blesq blom'.

Mas como diria o Charles Gavin no programa 'O som do vinil': "isso já é outra história''...

V, Legião Urbana (ainda em 1991...)

2011-10-09T09:54:00.014-03:00

Outro dia, no vício inerte da tv a cabo, vi (mais) um programa sobre os discos de 1991 - que, inclusive, coerentemente, colocava o 'Screamadelica' como número 1 à frente do 'Nevermind', prefigurando ou antecipando ou criando o futuro, ou seja, a música eletrônica como vanguarda da música/rock - que citava este disco aqui como um lançamento de rock progressivo em 1991. Fiquei pensando e quase concordando, resolvi postar esse que, atipicamente, foi o disco que mais escutei dos caras.

Há, realmente, um agradecimento no disco 'Aos anos 70' (no meu disco, que é a versão barateada sem encarte e outros 'luxos', isto não aparece). Há mesmo muitas referências/citações eruditas e um clima pra lá de sombrio.

Pelo próprio Renato: "Ih, tem umas coisas medievais, uns instrumentais. O primeiro lado é uma viagem. Vão dizer assim: 'Legião repete fórmula e lança disco progressivo (risos)..."

Só pra lembrar, já que estamos falando de Brasília, ontem, no programa Zoombido do Moska no Canal Brasil, foi entrevistado o Philippe Seabra do Plebe Rude (bom programa, recomeindo!). Quase postei hoje 'O concreto já rachou', pra mim um dos melhores dos anos 80, mas por um acordo de cavalheiros o Xampu o fará (em breve, espero), depois eu posto 'Nunca fomos tão brasileiros'.

Contexto do disco: crise econômica do governo Collor, dependência química de Renato Russo, aids de Renato (nunca assumida publicamente) e Cazuza (homenageado com a música do disco anterior 'Feedback song for a dying friend').

O argumento do disco progressivo começa forte já na primeira música, 'Love song (Cantiga de amor)', um poema do trovador português medieval do sec XIII Nuno Fernandes Torneol musicado pela banda, bela e delicadamente.

'Metal contra as nuvens' tem uma introdução também quase progressiva (afinal o que é rock progressivo? Encaminharei esse post ao amigo e especialista Leonardo Naohum, autor de um guia essencial e produtor de shows no RJ e aguardarei boas discussões...), sendo dividida em 4 partes e com mais de 11 minutos...se isto não é progressivo, porraaaaa...

Tem inclusive uma parte quase metal! Guitarras (mal) distorcidas, embolando um pouco.

"Sou metal, raio, relâmpago e trovão

Sou metal, eu sou o ouro em seu brasão

Sou metal, me sabe o sopro do dragão"

Depois volta o suave e acústico. Boa canção, mesmo enorme tem um senso de unidade, soa redondinha e completa.

'A Ordem dos Templários', que não é inspirada em nenhum livro do Dan Brown, é instrumental e bonita, mais um ponto a favor do argumento do disco de progressivo. Inclui a peça 'Douce Dame Joulie' de Guillaume da Machaut do sec XIV. Sons de vento ao final...

'A montanha mágica', provável referência ao livro de Thomas Mann, parece fazer referências a dependência química, mas seria erradamente simplificador reduzir a interpretação a só isto. No meio há uns efeitos de reverb e ecos muito legal, melhor percebidos com fones. A introdução foi adaptada da peça 'Canon' de Johann Pachelbel.

"Minha papoula da Índia

Minha flor da Tailândia

És o que tenho de suave

E me fazes tão mal

Existe um descontrole, que corrompe e cresce

Pode até ser, mais estou pronto prá mais uma

O que é que desvirtua e ensina?

O que fizemos de nossas próprias vidas

(...)

Mas, é claro que não vamos lhe fazer mal

Nem é por isso que estamos aqui

Cada criança com seu próprio canivete

Cada líder com seu próprio 38

Chega, vou mudar a minha vida

Deixa o copo encher até a borda

Que eu quero um dia de sol

E um copo d'água"

Aqui entramos na parte mais ouvida, por mim e pelas rádios do Brazilzão de meu Deus, começando com a linda 'O teatro dos vampiros', que faz lembrar da crise econômica da época, entre outros temas tratados...tá parecendo tese acadêmica essa porra?

"Sempre precisei de um pouco de atenção

Acho que não sei quem sou

Só sei do que não gosto

(...)

Os assassinos estão livres, nós não estamos

Vamos sair - mas não temos mais dinheiro

Os meus amigos todos estão procurando emprego

Voltamos a viver como há dez anos atrás

E a cada hora que passa

Envelhecemos dez semanas

Vamos lá, tudo bem - eu só quero me divertir

Esquecer, dessa noite ter um lugar legal pra ir

Já entregamos o alvo e a artilharia

Comparamos nossas vidas

E esperamos que um dia

Nossas vidas possam se encontrar (...)"

Lindo, né?

'Sereníssima' começa com um ruído de público e a Legião sempre contou com fãs devotados, pro bem ou pro mal. Aqui tem até um solo de guitarra do dado Villa-Lobos!

A frase sobre o sorriso é do já citado Thomas Mann, do livro 'Tonio Kroeger'.

"Sou um animal sentimental

Me apego facilmente a quem desperta meu desejo

Tente me obrigar a fazer o que eu não quero

E cê vai logo ver o que acontece

(...)

Tenho um sorriso bobo, parecido com soluço

Enquanto o caos segue em frente

Com toda calma do mundo"

'Vento no litoral' é um música muito romântica e muito bonita, onde a canção me leva pra esse contexto de referência, o que é muito legal. Às vezes Renato parece óbvio (e às vezes ele é), mas muitas vezes isto funciona perfeitamente na canção, e é expressivo e se conecta com quem ouve. Extremamente pessoal, claro.

Já foi regravada pela saudosa Cássia Eller.

Olha que letra linda e óbvia:

"(...)

Agora está tão longe

Vê, a linha do horizonte me distrai:

Dos nossos planos é que tenho mais saudade,

Quando olhávamos juntos na mesma direção.

Aonde está você agora

Além de aqui dentro de mim?

Agimos certo sem querer

Foi só o tempo que errou

Vai ser difícil sem você

Porque você está comigo o tempo todo

Quando vejo o mar

Existe algo que diz:

- A vida continua e se entregar é uma bobagem.

Já que você não está aqui,

O que posso fazer é cuidar de mim.

Quero ser feliz ao menos.

Lembra que o plano era ficarmos bem?

- Ei, olha só o que achei: cavalos-marinhos.

Sei que faço isso para esquecer

Eu deixo a onda me acertar

E o vento vai levando tudo embora"

Há variadas interpretações sobre os citados cavalos marinhos: fidelidade da espécie, o fato de só se encontrarem no fundo do mar (o que sugeriria suicídio pelo amor perdido!!), símbolo homossexual pelo fato do macho engravidar...enfim, viagens.

'O mundo anda tão complicado' (e quando não foi?) é sobre coisas cotidianas, quase banais e íntimas, mais uma boa canção.

"Vem cá, meu bem, que é bom lhe ver

O mundo anda tão complicado

Que hoje eu quero fazer tudo por você

Quero ouvir uma canção de amor

Que fale da minha situação

De quem deixou a segurança de seu mundo

Por amor"

'L'age d'or' é pesada, trazendo guitarras e slides distorcidos, mas com um vocal suave e melódico, diferente. É também o nome de um filme surrealista de 1930 de autoria dos loucos Luis Buñuel e Salvador Dali.

"Contra minha própria vontade

Sou teimoso, sincero

Insisto em ter

Vontade própria...

(...)

Já tentei muitas coisas

De heroína a Jesus

Tudo que já fiz

Foi por vaidade

Jesus foi traído

Com um beijo

Davi teve um grande amigo

Não sei mais

Se é só questão de sorte..."

'Come share my life' termina o disco com sutileza e melancolia, só com piano e cordas. Apesar de creditada (no meu disco pelo menos) como da banda, tenho impressão que é uma canção tradicional do folclore dos EUA.

Produção da banda e de Mayrton Bahia.

Vendeu 700 mil cópias, menos da metade do que o anterior, 'As quatro estações', mesmo assim não é pouco.

Geração 80s - singles volumes 1 e 2

2011-10-07T11:46:00.019-03:00

Apesar de estar sentindo falta das caveiras e do heavy metal por aqui, postarei essas coletâneas da Warner em 2 volumes, mais uma vez pra resgatar bandas quase desconhecidas (ou quase conhecidas) que sem isso nunca apareceriam por aqui. Tem de tudo, das pérolas ao lixo, do luxo à irrelevância.

Outro dia ouvi sem parar no carro e fiquei pensando que cabia aqui, mesmo com as condenações a coletâneas e blablablah, pra citar bandas de poucos (ou únicos) sucessos.

Então mais atenção a estas, as mais conhecidas eu vou só citar.

Volume 1

Começando pelo pop Lulu, com 'Tesouros da Juventude' e 'Areias escaldantes', sempre relevante apesar dos protestos de amigos por aqui.

Depois vem a banda Brylho, do Claudio Zoli e do mestre baixista Arthur Maia, com duas canções, a sempre tocada e eternamente reinterpretada 'Noite do prazer' e a desconhecida 'Cheque sem fundo'. A primeira é realmente muito legal, com timbres e improvisos legais, se beneficiando do fato de não usar overdrives/distorções numa época em que isto era muito mal gravado. Como cantavam uns amigos bêbados, "tocando de bikini sem parar"... A segunda é obscura mas tem um naipe de metais muito legal.

O sempre pop Kid Abelha comparece com as manjadas 'Pintura íntima' ("fazer amor de madrugada") e 'Por que não eu'. Paula Toller ainda não cantava tão bem quanto hoje, alguns maldosos até diriam que ela também não era tão gostosa quanto hoje...

'Sou boy' é uma das clássicas do Magazine, que também traz a música 'Kid Vinil', fraquinha e com derrapadas na afinição por conta do Kid Vinil, "o herói do Brasil'...

Aí vem o desconhecido (merecidamente, digo) Agentess, com 2 músicas nulas: 'Professor digital' e 'Cidade industrial'. Em frente...

Mais uma quase nulidade, o grupo/banda Azul 29, com 'Video game' e 'O teu nome em neon'. Já estou quase arrependido de postar essas merdas...essa última até que tem uma guitarrinha legal ali pelo meio, mas é só.

O genial Ultraje a Rigor comparece com 2 músicas ('Inútil' e 'Mim quer tocar') nas versões que saíram em singles, bem inferiores às do disco 'Nós vamos invadir sua praia' (que inclusive virou nome da biografia da banda, vc já leu?). Nada como uma boa produção e bons timbres pra melhorar uma banda.

O Ira! traz 2 boas músicas ('Pobre paulista' e 'Gritos na multidão'), acho que nas versões de singles também, o Nasi desafina direto, porra...vale pelo Scandurra!

E tem até Titãs: 'Sonífera ilha', ainda muito legal mesmo com aquele sonzinho de radinho de pilha AM, e 'Toda cor', menos conhecida mas também legal.

Volume 2

Eu acho Gang 90 & as Absurdetes supervalorizado, boas ideias mas sem conseguir uma concretização à altura. De qualquer modo, aqui eles trazem a boa composição e seu grande sucesso (e com som até que bom) 'Perdidos na selva'.

O Magazine retorna com mais 2 sucessos legais: 'Tic tic nervoso' e 'Comeu' (vcs sabem, da trilha da novela 'O gato comeu').

E dá-lhe mais Ultraje, agora com mais 2 nas versões do disco, bem melhor acabadas: 'Eu me amo' e 'Rebelde sem causa' (geniais, diga-se aqui!).

Surpresa: a banda Gueto, que acho que foi produzida pelo Nasi (que acho que até canta aqui, um rap com sotaque paulistano!), meio funk meio rap, diferente e original. 'Borboleta psicodélica' é bem legal, quase Red Hot Chilli Peppers dos primeiros discos, pra citar uma referência mais próxima. 'Você sabe bem' é um pouco mais pop, sem deixar de ser funky.

Leoni, ex-Kid Abelha, é um cara pouco badalado hoje, mas é um excelente compositor; além de suas contribuições pro Kid, fez boas canções pra banda meio solo dele, os Heróis da Resistência, e o faz até hoje, fora do circuito mais visível. Aqui vem com uma boa música em versão remix: 'Nosferatu' (MUITO legal, com um solinho esperto de trompete, riffs de metais bem sacados e uma guitarra com sonzaço).
"Morro de tédio e tristeza
quando você vai pro trabalho
e fico em casa deitado
solidão de Nosferatu"

'Kátia Flávia' é sensacional, um rap pioneiro nos ares praianos cariocas, criativo e com aquele dom do Fausto Fawcett de descrever uma história interessante numa canção, bem dentro do contexto da cidade babilônia, além da guitarrinha suingadíssima (arrisco apostar no Fernandinho Vidal). Tem mais um música dele, 'Santa Clara Poltergeist', mas não se compara a esta.

Aqui aparece uma banda bem parecida com o Gueto, a Clínica, que eu nem lembrava...a primeira música, 'Trauma' chegou a tocar nas rádios, se não me engano, legalzinha. Já 'Observatório' é dispensável, mas com um solo de sax improvável.

Eu não lembrava da banda Luni, legalzinha mas completamente esquecível, na mesma onda Gueto/Clínica, devia ser o hype da época (e como avisa o Public Enemy, "don't believe the hype"). Chatinha e datada, apesar das boas intenções nas duas canções, 'The best' e 'Rap do rei' (acho que agora lembrei, esta era da novela 'Que rei sou eu').

Ahá!!! Os Mulheres Negras! Boas composições, boas ideias, bons arranjos, parafraseando o amigo boleiro Chico: 'música é simples'...mentira, fazer o simples, bem feito e redondinho, com criatividade e apelo popular (por que quem quer tocar pra si mesmo?) é difícil pra caralho. Duas músicas aqui : 'Música serve pra isso' e 'Só telelê' (o que será isso???). Guitarrinha maneira, meu!

Pra terminar, uma banda da qual eu nunca ouvi falar, Rabo de Saia com a música 'Um amor destrambelhado'. Meio bizarro e curioso.

Vale pela lembrança, os anos 80 tiveram muita coisa boa mas muita coisa ruim também. Como em qualquer época, aliás.

Rumo à multidão... (Calango - Skank, 1994)

2011-10-03T19:45:00.002-03:00

Ao contrário do que muita gente pensa Skank é um jeito de dançar o Ska (vide Easy Skanking, do mestre Bob) e não aquele baseado aditivado, esse é o Skunk. Dez anos depois da (re)explosão do rock nacional em 84, a banda mineira liderava a nova geração (ao lado do Cidade Negra, que lançou no mesmo ano Sobre Todas as Forças) do pop-rock nacional.

O que mais me impressiona no Skank (depois da música) é a total falta de vergonha de ser POP. Acompanhando de leve o rock in rio deste ano (pela TV, meus caros) ninguém levantou aquela galera como o Skank. Simplesmente todos conheciam seus refrões e mesmo no momento mais Luciano Huck, Samuel Rosa consegue ser quase elegante... Que outra banda nacional (na origem e na música, ok?) seria capaz de lotar um estádio do tamanho do Mineirão para gravação de um show ao vivo?

Se este é o marco principal, e que me sugere a resenha, é bom ressaltar que, musicalmente, o disco também vale a pena, ainda que algumas das músicas ainda possam te deixar um pouco enjoado, de tanto que tocaram na época do lançamento. Alavancada pela versão surfdélica de É Proibido Fumar, preparada para o disco em homenagem ao Rei (resenhado aqui), Calango trouxe ainda o reggae de irresistível refrão e obrigatório em qualquer show da banda, Jackie Tequila. Também tem coisas (então) esquisitas como Amolação, onde Lelo Zanetti toca uma linha hipnótica no baixo, A Cerca, e crônicas do dia-a-dia em tempos de caras-pintadas, como Pacato Cidadão e Esmola, mistura de regional mineiro (o Calango) com Jamaica (Ska, Reggae) e tempero de século XXI (batidas eletrônicas).

Me dá um beijo

porque um beijo é uma reza

pro marujo que se preza ...

Te ver e não ter querer

é improvável é impossível

Te ter e ter que esquecer

é insuportável é dor incrível! ...

Mas o melhor mesmo são as baladas, que se tornariam marcantes em todos os futuros trabalhos da banda. Do casamento entre fluência melódica que tem o Samuel com as letras semi-ingênuas de Chico Amaral, nascem O Beijo e a Reza (de onde retirado o primeiro versinho acima) e Te Ver (do segundo). Samuel Rosa ainda experimentaria outros parceiros, e de maneira muito bem-sucedida (Nando Reis principalmente), mas aqui é a estréia.

O nascimento de uma lenda. Nem é o melhor disco do Skank, tampouco o campeão de vendas, mas este aqui é o disco BOOOOOOOMMMM!!!! que fez a banda explodir, é o big bang do Skank e vendeu mais de um milhão de cópias. É o primeiro (disco) da última (banda da era do disco).

[M]

Ney Matogrosso, Olhos de farol

2011-10-01T15:13:00.004-03:00

Já que o Mateus pediu...continuamos na delicadeza por aqui.

Este aqui não é tão delicado como o anterior, já resenhado aqui, 'O cair da tarde', mas também compará-los é burrice minha.

É um disco lindo, onde mais uma vez o intérprete Ney traz vários autores para seu garimpado repertório.
O disco conta com muitos músicos da melhor estirpe, só pra citar alguns (fora os citados abaixo): Marcos Suzano, Leandro Braga, Zé Nogueira, Marcio Montarroyos, Arthur Maia, Serginho Trombone e por aí vai...

'Miséria no Japão' já tinha aparecido no disco do Pedro Luís e a Parede, se não me engano. mas vale o bis numa voz de verdade, né? PLAP é muito legal, mas falta um cantor de verdade...
Letra primorosa, refletindo sobre a percepção sobre riqueza e pobreza:
"Quem te disse que miséria é só aqui?
Quem foi que disse que a miséria não ri?
Quem tá pensando que não se chora miséria no Japão?
Quem tá falando que não existem tesouros na favela?
A vida é bela
Tá tudo estranho
É tudo caro
Mundo é tamanho"

Na seqüência, uma do Paulinho Moska, 'Gotas de tempo puro', mais uma bela letra numa canção pop redondinha, com uns sopros bem bonitos e coloridos.
"Choveu dentro de mim
Gotas de tempo puro
Trovoadas de passado
Relâmpagos do futuro
(...)
O que a humanidade grita é
Eu quero a liberdade, é lógico
Mas o que a natureza ensina
É que nada tem que ser cronológico"

'Vira latas de raça' é uma boa surpresa por seus autores (Rita Lee e Beto Lee, que tocou outro dia com os Mutantes e inclusive tem um disco a ser resenhado por aqui que o Mateus vai gostar de ouvir), além de ser mais uma boa canção com um pezinho na latinidade a la Santana pelo Ricardo Silveira (que também é responsável por vários arranjos), com letra citando o tropicalismo.
"Não posso ser outra coisa se não James Dean
Eu sempre fui mais bonzinho quando sou ruim
Minha dor não dói, sou marginal, sou herói!"

'Novamente' (do conterrâneo niteroense Fred Martins e de Alexandre Lemos) é das mais bonitas do disco, uma sonoridade delicada e etérea, com uma percussão suave.
"Quem sabe o que se dá em mim?
Quem sabe o que será de nós?
O tempo que antecipa o fim
Também desata os nós
Quem sabe soletrar adeus
Sem lágrimas, nenhuma dor
Os pássaros atrás do sol
As dunas de poeira
O céu de anil no pólo sul
A dinamite no paiol
Não há limite no anormal
É que nem sempre o amor
É tão azul"

'Chance de Aladim' (Luli) é suave, lenta, cheia de espaços. Uma das melhores letras do disco, mas grande, vá ouvir e preste atenção!

'Poema' tem uma origem curiosa, com a letra de Cazuza (parece que feita para a sua avó por ocasião de seu falecimento) musicada postumamente pelo Frejat (que também toca e programa loops por aqui!). Linda música sobre pequenas mortes cotidianas, internas e externas.
"De repente a gente vê que perdeu
Ou está perdendo alguma coisa
Morna e ingênua
Que vai ficando no caminho
Que é escuro e frio mas também bonito
Porque é iluminado
Pela beleza do que aconteceu
Há minutos atrás"

Chegamos a mais um dos pontos altos, 'Olhos de farol' (Ronaldo Bastos e Flávio Henrique), sendo que esta poderia estar no anterior 'Cair da terde', com seus arranjos quase eruditos e voz baixa. Mais uma linda.

'Depois melhora' (Luiz Tatit) é tranquila e triste, poucos instrumentos, com delicadeza, como agrada ao Mateus...o disco não tem músicas ruins, nem pontos baixos!
"Sempre que alguém daqui vai embora
Dói bastante mais depois melhora e com o tempo
Vira um sentimento que nem sempre aflora mas que fica na memória"

'Mais além' (Lenine!, Bráulio Tavares, Lula Quiroga, Ivan Santos) é sensacional! Cordas majestosas, dinâmica inteligente, letra viajante, piano belo, muitas coisas boas numa canção ótima. O curioso pra mim é que a música sempre tocava num seriado da Globo (com médicas incluindo a Patricia Pillar), mas a voz nunca entrava e eu ficava querendo saber de quem era. Tempos pré google que não voltam mais.
Aqui a voz do Ney se sobressai.
"O homem sobre a areia como era no início
Roçando duas pedras, uma em cada mão
Descobre a fagulha
Que incendeia o paraíso
E imaginou que havia inventado Deus
É mais, é mais, é mais, é mais, é mais além
(Mais além)"

'O som do mundo' (dos Skanks Samuel Rosa e Chico Amaral) é popzinho agradável reggae, talvez umas das menos boas.

'Fazê o quê' (mais uma do Pedro Luís) tem cara de sertanejo, viola e voz meio repente, mais uma boa surpresa.
"Se tem Hermeto, Bispo, Marley, Gentileza
Isso só me dá certeza
Da nobreza que dá certo
Vô fazê, vô fazê
Música pra enriquecer (o quê?)
Os corações e o planeta
Basta um papel e uma caneta"

E estamos chegando ao fim...'Bomba H' (Alzira Espíndola e Itamar Assumpção) não deixa a qualidade diminuir.

'A cara do Brasil' (Celso Viáfora, Vicente Barreto) já foi citada num blog do Paulinho, pela letra que, entre outras coisas que definem o Brasil, aborda o futebol. Meio circense e divertida, apesar de séria.
"A gente é torto igual Garrincha e Aleijadinho
Ninguém precisa consertar
Se não der certo a gente se virar sozinho
decerto então nunca vai dar
(...)
Brasil Mauro Silva, Dunga e Zinho
que é o Brasil zero a zero e campeão
ou o Brasil que parou pelo caminho:
Zico, Sócrates, Júnior e Falcão"

E aí, qual é o seu Brasil???

Bora Bora - Paralamas (1988)

2011-09-30T14:16:00.006-03:00

Eu estava agorinha ouvindo uma palestra do marido da querida Beba, o Ricardo Piglia. Ele disse uma coisa super interessante sobre o momento da leitura e que rapidinho me instigou a escrever esse texto. O Ricardo acha que o ato de ler, a relação entre o leitor e o seu livro é algo muito íntimo.

Nunca havia passado pela minha cabeça a palavra intimidade para o ato de ler. É raro o encontro entre um ser inanimado com um ser animado gerar algo tão sublime e acho que a música quando encontra o ouvido humano gera o mesmo sentimento – a intimidade.

“Bora Bora” me traz um pouco essa sensação de intimidade. Não só pelas músicas contidas no redondo, mas pelas lembranças que carrega… De todos os Paralamas, Bora Bora é meu favorito. Adoro a capa branca e o Bora Bora colorido, ensolarado-vivo, estampado como um retalho de patchwork.

“Bora Bora” é vibrante, reggeado-rock, maré cheia de sopros, bateria vigorosa. O som transborda malícia e malícia atrai intimidade. E esse realmente é o fio do disco: em “Beco” a violência explode como se não fosse nada, em “Fingido” não sei se te amo para sempre ou pra nunca mais, em “Don’t Give Me That” e a pirada “The Can” com o jamaica Peter Metro e seu sotaque que só quem tem intimidade com o seu mundo consegue decifrar – don’t give me no coke no crack…

E o disco vai rolando e o rock vai pegando fogo. “Uns Dias”, mistura sensações, sabores, vertigens, uma onda diferente. É o ponto máximo, super acelerado, quase o êxtase. Na lindíssima “Quase Um Segundo” o disco faz uma curva, volta para dentro, vai acalmando… É simultaneamente delicada e forte. Piano com notas precisas, teus pêlos, teu gosto, teu rosto, tudo/ Que não me deixa em paz.

Intimidade?

“Bora Bora” é sonzeira. E daqueles que a gente para e pensa: peraí, isso aqui é bom demais! É ticket de viagem, entrega e transcendência. Tudo que deliciosamente a intimidade pode te oferecer…

[ANDRÉA]

ei ei ei ei!

2011-09-28T16:04:00.006-03:00

Mas não há mesa, escrivaninha, colo, bancada ou desktop que tolerem o peso deste blog... Já vejo por aí, do outro lado da telinha, as perninhas bambeando, panturrilhas trêmulas, o chão cedendo, logo logo tudo vai pro chão: cabrum! Tem culpa eu? Tem culpa eu não, desde que a delegação de Niterói passou a dominar a área que isso aqui tá ameaçando explodir, é carro-bomba, carcaça, esqueleto, caveira...

Vamos a um "sopro de delicadeza"?

Sim, vinte anos antes de Nevermind (it was twenty years ago today, sgt pepper taught the band to play... Quarenta de hoje, portanto), o Rei vinha com seus Detalhes... É tão ruim que é bom. Linda canção, mas brega no último. Inauguração de uma era, de uma geração, bem, nem tanto, talvez de uma “faixa de mercado”. Cançãozinha niilista, melô do corno inconformado, o sujeito tem certeza de que ela, agora com outro, vai se lembrar dele, comparando a todo o momento o (outro) novo amor com o antigo (eu):

Não adianta nem tentar / Me esquecer / Durante muito tempo / Em sua vida / Eu vou viver...

Ahã... Na boa: melhor não, pro seu próprio bem. Eu não aguento aquela flautinha, aqueles arranjos orquestrais de Jimmy Wisner (wikipaedia!), caralho! Cadê os posts de death-trash-hard-heavy-speed metal do dão????

Acho que ele (o rei, não o Dão) já vinha ensaiando esses passinhos, o disco de 69 (em breve por aqui) também é pra chutar a taxa de glicose pra lá da estratosfera. Mas nada se compara com este aqui... A Namorada, De Tanto Amor, Amada Amante... vá ser apaixonado assim lá no raio que o parta! Apai$honado, isso é que é, porque essa toada vem vendendo (muito) disco desde então e até em Jerusalém!!!!

O foda é que estes discos antigos do Roberto, onde são bons (porque é sempre uma irritante mistura de lixo e obra-prima), são bons pra caralho! Então chega de reclamar, porque mal enxugada a chuva de lágrimas em Detalhes vem uma versão acachapante de Como Dois e Dois de Caetano Veloso. Não lembro de ouvir o baiano cantando isso. Bem, ou ele teve o bom-senso de não gravar, ou tive eu o bom-senso de esquecê-la (a gravação), porque simplesmente não dá pra ir além desta aqui. Ela é soul a la Tim Maia, densa, convincente, chuto que na voz do compositor original ela ficasse excessivamente afeminada (o que não é necessariamente ruim... Imagino uma Cássia Eller cantando isso aqui, meu deus! Ah, esquece, eu falava em afeminado não é?)

Gosto muito de Você Não Sabe o Que Vai Perder (de Renato Barros, quem?). De certa forma (e talvez de maneira proposital, esta canção dialogue com Detalhes... Primeiro esta ameaça, depois o lamento em detalhes:

Já não encontro mais / Palavras pra lhe convencer / Que por incrível que pareça / Eu gosto é de você / Diz que eu nada faço por nós dois / Que venho uma semana / E só um mês depois / Eu volto pra lhe ver / Você não pode compreender / Se eu agi assim / Foi somente pra saber / Se existe por aí / Alguém melhor do que você / E sinto muito / Mas eu sou assim / Sei que cedo ou tarde / Alguém vai lhe dizer / Se você me deixar / Não sabe o que vai perder

Na cronologia do disco a história tá ao contrário, ok, era o Rei inspirando Tarantino...

E ainda tem Debaixo dos Caracóis dos Seus Cabelos, sim, você sabe a história, o Rei escreveu para um Caetano exilado, deprimido, camarada meu de portobello naquela fossa... de novo: esta versão aqui é que é a definitiva! Rapidinha, sem maiores pretensões, gosto daquele violãozinho simplinho que deve deixar o João Gilberto mudo (bem, ele já não é de falar muito mesmo, não é?). Ahá! Taí o que eu falei sobre versões afeminadas das músicas do Roberto. Basta lembrar qual é a outra que ficou célebre desta...

O melhor sempre fica pro final (da resenha). Mas no disco, abrindo o lado B ouve-se que Todos Estão Surdos, A MELHOR MÚSICA DO ROBERTO CARLOS EM TODOS OS TEMPOS!!!! Gospel na letra, funk no ritmo, a mistura é irresistível. Se o rei fosse um pastor, isso seria a nossa conversão. Até o saudoso Chico Science (quase) caiu nessa com a fabulosa versão de sua Nação Zumbi, subvertendo o discurso final.

Uma canção como esta (e Jesus Cristo) me faz pensar: pena que o Rei não tenha sido Gospel Strictu Sensu, dedicação exclusiva...

[M]

Sepultura, Arise...mais um de 91!

2011-09-27T10:38:00.011-03:00

Realmente, como observou meu amigo e parceiro musical Mateus, 1991 foi um ano pródigo em bons lançamentos para o então um pouco desacreditado rock. Talvez tenha sido o último, talvez Nevermind na verdade marque justamente o fim de uma época, como argumenta com boas razões André Forastieri (aqui: http://noticias.r7.com/blogs/andre-forastieri/2011/09/23/nevermind-nao-importa/ ), então só nos resta comemorar os seus bons discos.

Porque este aqui é um blog de pessoas que adoram música, mas somos tiozinhos de 40 e poucos anos que aprenderam a adorar música ouvindo rock, sob uma provável ilusão de ótica de que este poderia ser 'rebelde' ou mesmo 'revolucionário', mesmo sob críticas paternais de 'alienado'. Talvez divertido seja o suficiente.

Its only metal, but I love it.

Então mesmo assim, lamento não ter ido no Rock in Rio e não ter visto o impressionante Slipknot e o sempre clássico Metallica (há mais de 20 anos, em 1989, eu os vi no Maracanãzinho, com o melhor som que já passou por ali!), nem a mistureba Paralamas/Titãs/Orquestra, nem os amigos do NX Zero, nem o divertido Matanza com BNegão...Isso pra não falar no aqui resenhado SEPULTURA com um showzaço com Tambours do Bronx que obviamente merecia o palco principal.

Aliás, como bem perguntou o blog collectorsrrom (aqui: http://collectorsroom.blogspot.com/2011/09/porque-o-brasil-nao-tem-um-festival.html ),

por que o Brasil não tem um festival exclusivo de heavy metal????

Os argumentos são tantos que nem vou me estender. Pessoalmente prefiro a não segregação, sempre gostei de ouvir vários tipos de música num festival, mas a verdade é que os organizadores de festival tem feito dias específicos para metal, não sei como será o SWU.

Sempre lembrando que apesar de assustadora em alguns sentidos, a platéia de metal em geral é menos 'problemática', como discretamente observou o globo (aqui: http://oglobo.globo.com/cultura/rockinrio/mat/2011/09/26/rock-in-rio-facts-as-curiosidades-dos-tres-primeiros-dias-de-shows-do-rock-in-rio-2011-925440293.asp ):"Hoje é rock mesmo. E por incrível que pareça, dá menos problema". Coronel Gaspar, chefe do policiamento no Rock in Rio, sobre o dia metaleiro.

Ao disco então.

Além do fato de 'ser de 1991', este álbum também comparece no livrão no qual nos inspiramos, 1001 discos pra ouvir antes de morrer.

O Sepultura em 1991 foi surpreendido em ser chamado pro Rock in Rio II, por pressão dos fã-clubes e inteligência do Medina, então tiveram que lançar às pressas antes do festival o disco numa pré-mixagem meio tosca mas interessante, chamada de Arise Rough Cuts, por isso aqui tem duas capas, a de cima é referente a este lançamento surpresa e hoje raro de encontrar.

O disco foi gravado em 1990 na Flórida, EUA, novamente com o produtor/engenheiro Scott Burns, que mais uma vez, dessa vez com mais dinheiro, fez um excelente trabalho, o disco tem um sonzaço, pesado mas nítido.

O som mudou um pouco depois de 'Beneath the remains', incorporando elementos de música industrial, iniciante na época (como Ministry por exemplo, com quem estiveram em turnê em 1992 juntamente com o inclassificável Helmet), acrescentando groove através de síncopas e quebradas na pauleira. Mas ainda é metal, thrash, death ou heavy, chame-se como quiser.

O disco entrou até na Billboard 200 USA na posição 119, alcançando a marca de um milhão de discos vendidos mundialmente em 1993.

Os sintetizadores, assim como nos 2 anteriores, ficam a cargo de Henrique, provavelmente o Henrique Portugal do Skank.

E claro, começa com uma paulada na cabeça: 'Arise'! Rapidíssima, agressiva, pesada, com um riff agoniado e uma bateria alucinada, além dos vocais sempre gritados do Max.

'Dead embryonic cells' é das minhas preferidas, pesada mas com aquela quebrada sensacional no meio, bateria com um sonzaço. Tem até um video (foram vários deste disco: Arise, Under siege e Orgasmatron!), estavam podendo os meninos...

'Desperate cry' também é legal sem ser mais do mesmo, começa com um belo dedilhado de guitarra limpa e depois vem aquele peso todo, mas quando começa a voz é que o bicho pega, uma levada avassaladora e cavalar!! E tem aquela quebrada no meio que continua sendo demais! Música longa com muitas passagens diferentes.

'Murder' e 'Subtraction' são boas músicas, sem nada especial.

'Altered state' já traz um idéia tribal a ser mais desenvolvida a partir do próximo disco (Chaos A.D.) e levada à perfeição em Roots. Mas é só no início, depois vem aquela massa sonora pesada e violenta.

'Under siege (Regnum Irae)' também começa com dedilhado, agora num violão e acompanhado por uma bateria com um som enorme. Diferente, mas depois entram os riffs brutais das guitarras e passagens mais trabalhadas, com vocais alterados eletronicamente (parecem gravados ao contrário). Mais uma música de muitas passagens, mas longe de ser confusa.

O disco prossegue à toda velocidade e peso com 'Meanigless movements', metal sem parar, mas sem maiores destaques, tanto nessa quanto na próxima música, 'Infected voice', a última do disco normal.

Digo normal porque no Brasil o disco incluía uma música a mais, um lado B do single de 'Dead embryonic cells', 'Orgasmatron' do Motörhead, que, pra variar, ficou sensacional, mesmo com a lenda de que o Max cantou bêbado...o Lemmy (se vc não sabe quem é, pare de ler já!) diz que gosta da versão mas não da voz...hahaha.

A versão relançada em 1997 também traz mais músicas: 'Intro', 'CIU (criminals in uniform)' e um mix diferente de 'Desperate cry' by Scott Burns, já que a mixagem posterior é de Andy Wallace.

E assim foi...depois do disco, sucesso mundial, excursão mundial. Antes de ir pro mundo, o Sepultura deu um show gratuito em Sampa na Praça Charles Müller, em frente ao Pacaembu. Esperados 10.00 fãs (e providenciada força policial para isto...), compareceram 40.000. O que aconteceu? Tumultos, brigas, muitos feridos e um morto. Culpa da banda, claro, que faz música pesada...Fala sério!

Sobram a fama e o prestígio. Sepultura, a grande banda brasileira. Que continua na ativa.

Vinte anos depois... Mais um de 91!

2011-09-26T11:38:00.005-03:00

É na rua Paulo que me sinto bem
Pois meus amigos estão la também
Já faz algum tempo que não sei como é que estão
Advogados, bêbados, dentistas eu faço canção

Da esquerda para direita não consigo encontrar
Um lugar para residir um lugar para descansar
Sou menino da rua Paulo de um bairro em Budapeste
Sou menino de São Paulo lá da Vila Mariana

Os Meninos da Rua Paulo é um clássico húngaro de Ferenc Molnár datado de 1906, relatando a luta de gangues de Budapeste pelo controle de um terreno baldio. Do outro lado do oceano, quase um século depois, este outro Os Meninos da Rua Paulo é o sexto álbum do Ira! Fã da banda não sou, nem nunca fui, nem mesmo nos áureos tempos. E a escolha deste disco mostra isso.

Mas basta que o lick de abertura da Rua Paulo comece a circular pela minha corrente sanguínea... bing! Já era... Scandurra é foda. Scandurra é o cara, ele e a guitarra são uma coisa só. O Ira! é a banda do Edgard, eu vejo as coisas desse jeito, ainda que ele não tenha de maneira nenhuma esta postura, e, o mais importante, ainda que as canções da banda raramente orbitem em torno da sua guitarra, e sim o contrário: ele geralmente tem o contraponto inteligente, de muito bom gosto e, como não poderia deixar de ser, inspiradíssimo.

O disco veio à tona no emblemático ano de 1991 (ó aí, Dão! Mais um...). Ano dos Nevermind, Ten, Black Album, Blood Sugar Sex Magik (to cite a few...). Da maneira como eu vejo o rock nacional entretanto, isso não passa de mera coincidência. O ponto aqui é uma banda pioneira do movimento de renovação do pop nacional que assolou o país junto com a Nova República e o Rock in Rio (o I!) que busca novos caminhos. O que mais me interessa aqui é o que faz uma banda de garotos que cresceram, amadureceram e ainda amam o rock’n’roll, o bom e velho rock’n’roll... A faixa de abertura dá bem este tom, os garotos da Rua Paulo estão à procura do velho bando, que terá virado dele?

Eu entendo isso mais na psiquê do que na geografia. A grande encruzilhada do rock’n’roll: envelhecer. Os rebolados de Elvis, os cabelos longos de John, Paul e sua turma, você deixaria sua filha se casar com um Rolling Stone? Pra quem assistiu trechos dos mascarados Slipknot ontem, isso soa como música de câmara!

Eu já sou um homem, mas mereço umas palmadas
Ó amor te peço, só não batas na minha cara

Voltando ao Ira!, este o álbum de uma banda que lançou seu primeiro disco em 83, naquela onda toda positiva. Oito anos depois, não dá mais pra assustar ninguém, não é? Bem, e nem parece ser a intenção. O legal é que esse disco me parece muito honesto e extremamente bem equilibrado entre novas idéias, novos ares e o som original da banda, que aqui aparece bem em O Ladrão Era Eu, Um Dia Como Hoje, e da qual Amor Impossível é o melhor exemplar, uma bela canção para um imaginário amor impossível que sempre é possível no universo das canções.

Pense na mistura de We Will Rock You com Lucy in the Sky with Diamonds... Parece meio fora de sincronia, não? Mas aquie eles revisam a iiteressante versão (que eu desconheço...) de Raulzito para a clássica dos Beatles, que aqui vira Você Ainda Pode Sonhar, mensagem otimista com gostinho de nostalgia. Na abertura é usado o clássico ritmo de bateria-e-muro-de-palmas que costuma não deixar poeira sentada no hiperclássico da Rainha. Mistura improvável que funciona de maneira magistral: a versão ficou psicoheavyca.

O blues Prisão das Ruas e baladas como Cavalos Selvagens ou O Tolo dos Tolos (essas duas últimas na voz do Edgard) são mais sintomas da transição do garoto que está virando homem. Enquanto que a levada de Imagens de Você sugere o uso de ritmos eletrônicos (simulados de maneira inteligente por André Jung? Ou foram usados mesmo? Bem, não sei dizer...), coisa que poderia destoar e seria meio proibido nos discos primitivos da banda. E: o resultado ficou muito legal! Não Matarás é curiosa porque tem uma levada meio disco com guitarras country, wah-wah... outra mistura improvável que funciona bem. E o mandamento é claro:

Não matarás, não matarás, não matarás a ti mesmo...

Nosso mundo é tão pequeno... não matarás teus desejos...

Mas nada é tão bom neste disco como A Etiópia e Meus Problemas (thanx, Paul!). Aliás, ouso dizer, nada é tão bom na discografia inteira da banda!!! Menos pela letra (muito menos, diga-se, mas, cá pra nós, quem se importa com as letras do Ira!? Nunca foi seu ponto forte). Edgard toca a guitarra dos sonhos de qualquer guitarrista: limpa, estalada e estrelada. Um golpe de ousadia na discografia de uma banda que costuma(va) ser bastante “conservadora” em relação à sonoridade original de seu rock’n’roll. Acompanhada de um violão el justiciero, percussão da península ibérica árabe, e um coro simulado, ahn, ahn, ahn... que me lembra a música do sertão nordestino. Um primor, a obra-prima do Ira!...

O disco termina na marcha instrumental Meninos da Rua Paulo, assobiada como a ponte do rio Kwai, lembrando que os meninos vão à batalha (ou a batalha vem aos meninos?), mas (quase) sempre há o retorno pra casa. E, musicalmente, este retorno é glorioso.

[M]

ps: refiz o post de ontem, que me deixava meio insatisfeito, mas mudei pouca coisa. Hoje no rádio tava ouvindo Guitar Man:

Who draws the crowd and plays so loud,
Baby it's the guitar man
Who's gonna steal the show, you know
Baby it's the guitar man,

He can make you laugh, he can make you cry
He will bring you down, then he'll get you high...

pra mim não há dúvidas: eles estão falando do Scandura...

Revolusongs, Sepultura

2011-09-14T11:32:00.006-03:00

Esse é um disco pós-Max Cavalera, acho que o primeiro assim postado aqui.

Preferências são pessoais, mas é saudosismo inútil e extrema má vontade dizer que 'o Sepultura era melhor antes'. Derick Green é um puta vocalista (tô escrevendo em paulistês...), com voz, atitude e garra, e ajudou a criar excelentes álbuns. Mas acontece muito, 'o Sting era melhor no Police', 'o Cazuza não deveria ter saído do Barão', 'os Beatles nunca deveriam ter acabado', bla bla bla.

E este aqui é um EP (extended play, disco de menor duração que o LP, long play) de covers!

Mas que serve justamente pra mostrar que eles não são covers de si mesmos, dando uma cara bem pessoal a um repertório com bastente tolerância elástica, como diriam alguns dos meus amigos detratores...

'Messiah' é uma música tosca de um grupo tosco suíço (!), o Hellhammer, pré-Celtic Frost, aqui com uma versão raivosa e pesada. Até parece que eles vão fazer um disco só com metal...

...claro que não! Na seqüência a improvável 'Angel' do Massive Attack, que ficou muito legal, com dinâmica extrema, do suave, sombrio e sussurrado ao metal gritado e caótico.

Mais estranha ainda, 'Black steel in the hour of chaos' (Public Enemy!) ficou muito legal, com groove e peso, além do mais traz o saudoso Sabotage fazendo um rap em português maneiríssimo e a guitarra de Andreas Kiser soando cheia de efeitos eletrônicos de filtro!!

'Mongoloid' (Devo, mais uma inesperada) ficou menos new wave e mais old wave punk com pitadas de cross-over e heavy. Boa pra balançar o esqueleto na roda de pogo!

'Mountain song' (Jane's Addiction) é mais uma que ficou excelente by Sepultura.

Mas o destaque é mesmo 'Bullet blue sky' (U2), talvez a mais difícil de tornar característica, devido ao fato de ser de um grupo de rock pop extremanente conhecido, com o acréscimo do fato da música já ser relativamente pesada no original. Mas o Sepultura mostra sua cara e versatilidade. Rendeu até um video na MTV.

Começando e terminando com metal, no caso a última música oficial é da banda californiana de thrash metal, o Exodus, cujo guitarrista Gary Holt esteve recentemente no Brasil com o Slayer, onde ele substituía o guitarrista original, vítima de bactérias comedoras de carne humana...é, vc achou que isso era tema de músicas de heavy metal mas é real. 'Piranha' coincidentemente obviamente fala sobre aquele peixinho faminto, é uma música rápida e foda, simples assim.

Como faixa escondida temos uma sacanagem com o Metallica, a música começa como se fosse 'Enter sandman', bem tosca, dá uma atravessada e entra 'Fight fire with fire' quebrando tudo!!

Sepultura rules!

Txai, Milton Nascimento

2011-09-11T18:53:00.001-03:00

Atípicos! O cd e o fato de eu gostar dele. O mítico disco do Clube da Esquina provavelmente será um dos últimos a ser postados por aqui, apesar do seu mérito.

Mas fugirei do óbvio, até porque eu gosto deste aqui.

Por incrível que pareça, há uma conexão deste disco com o Roots do Sepultura, claro que não na sonoridade (apesar do Milton ter gravado com a banda de heavy metal Angra!), mas na ligação com os índios, ou melhor, os povos da floresta. Os dois discos trazem cantos gravados pelos índios e músicas inspiradas e/ou compostas com os citados povos. O que me lembra um outro disco que tenho que postar aqui, um de nome esquisito da Marlui Miranda - que inclusive participa deste disco.

O disco inicia já diferente, com Milton cantando ao fundo um tema composto para o Ballet David Parsons e um índio, Davi Kopenawa Yanomami, declamando um texto sobre as maldades do homem branco...

Em seguida a faixa título, bonita, simples, com a belísssima voz e uma levada bem jazzy-mpb-clubedaesquina, se é que vc me entende.
Esclarecendo, 'Txai': palavra dos índios Kaxinawu adotada no Acre como tratamento de respeito e carinho a todos os aliados dos povos da floresta.

'Baü mêtóro' lembra mais uma vez o Roots, sendo aqui um canto do povo Kayapó do A-Ukre.

Voltamos então ao universo mais típico, 'Coisas da vida', com o parceiro Fernando Brant, uma linda canção, límpida e clara.
'nunca é igual
se for bem natural
se for de coração
além do bem, do mal,
coisas da vida
o amor enfim
ficou senhor de mim
e eu fiquei assim
calado, sem latim
coisas da vida'

Mais uma canção indígena, 'Hoeiepereiga', do povo Paiter.

'Estórias da floresta' (Milton/ Fernando Brant) é muito legal, vozes do Milton e uma percussão discreta.

'Yanomami e nós (pacto de vida)' mais uma com Brant, é uma música bem triste e bela, com cordas melodramáticas, mas interpretação contida. Participação especial de Heitor TP no violão!

'Awasi', outra indígena, agora do povo Waiãpi.

'A terceira margem do rio' (Milton e Caetano) é destoante, intensa e com aquelas letras vagas e caetânicas...

'Benke' é cantada por Milton juntamente com Leonardo Bretas, um menino com voz bonita e, claro, infantil. Depois entra um coro infantil, que vejo aqui, inclui um Diogo Nogueira, será o futuro sambista?? As crianças aparecem por ser uma canção com o nome de um curumim e é dedicada a todos os curumins de todas as raças do mundo.

'Sertão das águas' traz o parceiro de composição Ronaldo Bastos numa bela e típica canção.

'Que virá dessa escuridão?' é mais uma triste composição desse disco sombrio, tocante e florestal.

Uma surpresinha, 'Curi curi' traz a voz do saudoso ator River Phoenix em livre interpretação sobre um texto do índio Tsaqu Waiãpi.

Agora uma canção indígena, composta por H. Villa-Lobos e Roquette Pinto, na voz e violão de Marlui Miranda, com a voz de Milton e uma percussão bem leve:'Nozani Na'.

E pra terminar, mais uma nas vozes dos índios, aqui com o povo Kayapó do A-Ukre.

Um disco diferente, só pra variar.

Verde anil amarelo cor de rosa e carvão, Marisa Monte

2011-08-30T10:54:00.001-03:00

Dos 'medalhões' da MPB, esta é a única que faltava por aqui. Como a Andréa ainda não postou o primeirão, ao vivo, nosso preferido, começo por este aqui.
Tido como um dos melhores e pra mim o mais bem acabado, este disco marca algumas mudanças da Marisa, tais como a primeira produção dela própria, na verdade uma co-produção com Arto Lindsay (que já produzira o anterior, 'Mais'), além de reafirmar seu trabalho autoral e ao mesmo tempo ampliar o universo de seus colaboradores.
Nos bons tempos do mercado musical físico (o virtual continua a toda!), o disco vendeu mais de um milhão de cópias.
Estranhamente não consta no 1001 original, apesar da projeção internacional da artista.

O disco inicia com 'Maria de verdade' (Carlinhos Brown, parceiro cada vez mais presente na sua vida e obra), sutil, com voz e violão a princípio, depois permitindo a entrada da banda inteira, tornando a música até dançante, com um baixo de dar gosto. Belo início.

'Na estrada' (MM/Brown/Nando Reis, este também participando mais intensamente, se tornando mesmo marido se não me engano), mais uma quase acústica e cheia de vozes extras da própria cantora.

'Ao meu redor' (Nando Reis) traz como diferencial um trompete sinuoso e a mesma atitude acústica. Saltitante.

'Segue o seco' (Brown) deu origem a um video lindíssimo, sem esquecer que é uma bela e forte canção. Berimbaus e vozes de Brown ao fundo, antecipando o que seriam os Tribalistas.

Uma música de Lou Reed, 'Pale blue eyes', traz um aceno à cena americana. Boa e surpreendente escolha.

Em seguida, a belíssima versão de 'Dança da solidão' (Paulinho da Viola), com o auxílio luxuoso de Gilberto Gil no violão e vocais de apoio, sensacional, um dos pontos altos do disco!

'De mais ninguém' dialoga com o grupo Época de Ouro, do choro clássico carioca, mesmo a música sendo de Arnaldo Antunes e Marisa. Quase anacrônica, mas cabe no projeto abrangente do disco.

'Alta noite' já havia sido gravada pelo autor, Arnaldo Antunes, mas aqui ganha uma versão linda, acredito que com o saudoso violonista Raphael Rabelo. Belíssimas cordas ao fundo.

'O céu' (Marisa Monte/Nando Reis) é mais alegre e quase balançada, vc fica querendo dançar, seu corpo começa a querer sacudir, bem legal.

'Bem leve' (MM e Arnaldo Antunes) é fiel ao seu nome, meio valsa, violãozinho discretíssimo e um pandeiro dando o ritmo.

'Balança pema' (Jorge Ben) traz o balanço de volta, com violão, guitarra com wah-wah e bateria, com várias vozes da Marisa.

'Enquanto isso' (MM/ Nando Reis) traz mais vozes e uma narrativa bem legal (incluindo trechos em inglês by Laurie Anderson), além de belos violões.

Pra terminar com extrema classe, Marisa traz as pastoras da Velha Guarda da Portela pra fazer uns vocais lindos nessa canção que poderia ser um samba-enredo, se o carnaval de desfile suportasse sutilezas e cadenciamentos mais lentos. 'Esta melodia' foi um balão de ensaio do disco no qual a Marisa produziria esta mesma Velha Guarda, 'Tudo azul', que aparecerá por aqui inevitavelmente (é um dos meus discos de samba preferidos, inclusive pelo recurso sempre oferecido nos discos de MM: as músicas vem com letra e cifras com acordes!).

Maria Rita... (2003)

2011-08-30T10:39:00.005-03:00

Ok. Poderia começar a falar da Maria Rita por aquilo que ela não é: Elis Regina. O que deveria ser óbvio, muitas vezes tem que ser lembrado pela marolinha de desaprovação gerada com o lançamento deste seu primeiro disco, afinal as comparações (e apelidos, Maria Grita, Maria Irrita...) foram inevitáveis. Ok de novo. Suponha que fosse apenas mais uma cantora nova. Qual é o ponto de partida, quais são as influências para uma carreira que se inicia? Ora, sempre há um ponto de partida... Mas ela é filha da Elis, cantora gigante, mito da música brasileira... E também é filha, lembremos, de grande parceiro, maestro e arranjador da Elis, César Camargo Mariano. E porque ela deveria desprezar esta herança? Porque ele deveria se deixar influenciar pela Joanna ou pela Marina Lima ou outra miríade de mediocridades? Afinal a implicante adolescência e negação dos pais é uma fase que já passou de concorde e foi pra beeeeeem longe... (graças a deus!)

O fato é que a Maria Rita é uma delícia. Um tesão de mulher. Sua voz é extremamente erotizante e eretizante. Horas em que é pura malícia, que vai te levar pela mão e ensinar novos segredos, rebolados, ritmos, compassos, descompassos, taquicardias e respirações... Horas em que é menina, corpo nu a ser explorado, conquistado, apreciado e degustado à exaustão...

Isso que eu nem falei de música ainda! Ou falei? Afinal, música é o quê? Senão amor, sexo, e uns 10% de algumas outra coisas... Maria Rita não canta. Maria Rita te canta. É uma sereia, e eu não quero ser Ulisses, eu quero é cair no mar e não sair nunca mais, quero ser dela e ela minha, que eu me afogue e vire um personagem da saga de Jack Sparrow, pouco importa...

Tom Capone produziu esta jóia e, de maneira muito inteligente privilegiou o arranjo instrumental mínimo: bateria (Cuca Teixeira), baixo acústico (Sylvinho Mazzuca) e piano (o campineiro de Barão, Tiago Costa). Gratos somos, esta escolha realça a voz e o erotismo de Maria Rita. (Sou louco por ela, não vou conseguir terminar esta maldita resenha). Na escolha do repertório, a velha guarda vem com Milton Nascimento e Rita Lee (o que, mais uma vez vai lembrar demais a Elis, mas aqui uma nítida vantagem: nada de Ivan Lins!) misturada a novos talentos (outra coisa que a mãe adorava fazer), Marcelo Camelo e Lenine; e compositores menos conhecidos do grande público (Nonato Buzar, Paulinho Tapajós, Jean e Paulo Garfunkel, Renato Motha, Cláudio Lins...).

Se o disco abre com A Festa de Milton, O teu corpo moreno / Vai abrindo caminhos / Acelera meu peito / Nem acredito no sonho que vejo / E seguimos dançando / Um balanço malandro / E tudo rodando / Parece que o mundo foi feito prá nós / Nesse som que nos toca... logo vem Maria Rita Lee dizendo Agora Só Falta Você! (eu, Maria Rita? Diga logo, só falta eu?).

Esta aliás é uma aula de como reinventar uma música. Uma das minhas favoritas no imenso e fantástico repertório da rainha do rock, aqui foi genialmente desfeita e recosturada no formato flower trio (repare no pulso do baixo, a bateria sendo escovada e os precisos comentários do piano genial de Tiago), onde o fio que conduz à versão original é exatamente a melodia cantada levemente desacelerada, maliciosa, como quem quer e não vai entregar, Maria transforma em jogo de sedução o que era canção de desabafo da outra Rita...

Trilha de abertura de novela das oito (Encontros e Despedidas, Nascimento e Fernando Brant, de um disco bem mediano do mineiro na virada dos 80-90), Ritmos latinos (Dos Gardenias que ficou célebre no Buena Vista Social Club), Blues (Que é uma pena / Mas você não vale a pena / Não vale uma fisgada dessa dor...), Samba (Cara Valente, de Marcelo Camelo) e a mistura única rock-baião-frevo-funk acelerado na Lenínica Lavadeira do Rio, mostram que Maria Rita é pau prá toda obra e que Deus dá asas à sua cobra (como canta em Pagu, feminista e feminina parceria Lee-Duncan)...

Marcelo Camelo aliás, parecia estar fazendo a cabeça da intérprete por essa época já que foi contemplado com nada mesos que três composições neste seu disco de estreia. E neste Cara Valente a ala xiita do fã-clube da Elis se arrepia, pois os trejeitos, os timbres, a malícia, tudo faz parecer que Chico Xavier é quem estava no estúdio...

Além desta, Santa Chuva e Veja Bem Meu Bem completam o trio Los Hermanos no disco. E cá pra nós, as duas versões (não conheço Santa Chuva em outra voz...) são muito superiores às originais. Em especial esta última, uma linda canção sobre a solidão:

Veja bem, meu bem / Sinto te informar / Que arranjei alguém / Prá me confortar / Este alguém está / Quando você sai / Eu só posso crer / Pois sem ter você / Nestes braços tais...

Veja bem, amor / Onde está você? / Somos no papel / Mas não no viver / Viajar sem mim / Me deixar assim / Tive que arranjar / Alguém prá passar / Os dias ruins...

Enquanto isso / Navegando eu vou sem paz / Sem ter um porto / Quase morto, sem um cais /
E eu nunca vou / Te esquecer, amor / Mas a solidão / Deixa o coração / Neste leva-e-trás...

Veja bem além / Destes fatos vis / Saiba: traições / São bem mais sutis / Se eu te troquei / Não foi por maldade /

Amor, veja bem: Arranjei alguém chamado saudade!..

Ah, Maria Ritah...

[M]

Carro Bomba, Carcaça

2011-08-14T15:52:00.003-03:00

Mais uma resenha 'convidada' do excelente blog http://collectorsroom.blogspot.com , do Ricardo Seelig agora. Muito grato!

Por Ricardo Seelig
Nota: 9,5
Ricardo Batalha, o mais importante jornalista de hard rock e heavy metal do país, classificou o Carro Bomba como “a melhor banda de heavy metal cantado em língua portuguesa”. Esse comentário, naturalmente, faz com que qualquer pessoa que vá ouvir o novo álbum do quarteto paulista encare o disco com grande expectativa. E quer saber? Ela é plenamente alcançada!
Em seu quarto disco, o Carro Bomba alcançou um nível de qualidade que o coloca, com justiça, no topo do heavy metal brasileiro. Composições inspiradas e muito bem construídas, todas amparadas por riffs pesadíssimos, garantem a satisfação do mais exigente fã. O timbre extremamente pesado e grave dos instrumentos salta aos ouvidos, e é um dos principais diferenciais de Carcaça. Para alguém que cresceu ouvindo Black Sabbath – principalmente da fase Dio – como eu, o ato de não se empolgar com o que sai dos alto-falantes é impossível.
Entrosadíssima e extremamente fiel aos seus princípios, a banda gravou em Carcaça o seu melhor disco. Não há nada negativo no álbum – tudo bem, a voz de Rogério Fernandes pode dividir opiniões, mas casa perfeitamente com a proposta do grupo -, uma avalanche sucessiva de canções empolgantes que pegam o ouvinte de jeito e o fazem bater cabeça compulsivamente.
Faixas mais cadenciadas como “Combustível” e “Mondo Plástico” tornam evidente a influência de Tony Iommi e companhia, enquanto composições como “Bala Perdida” e “Queimando a Largada” são heavy metal puro da melhor estirpe. A veia blues dos caras surge forte em “Blueshit”, uma das melhores faixas do álbum e um convite explícito ao 'banging'. Vale uma menção especial às letras, inteligentes e sempre explorando temas urbanos e comuns nas grandes cidades, saindo totalmente do lugar comum.
Ao final da audição de Carcaça chega-se a uma conclusão pura e simples: se esse disco tivesse sido gravado por uma banda gringa a repercussão em nosso mercado seria muito maior do que está sendo. E mais: Carcaça tem qualidade de sobre para cair no gosto de qualquer fã de metal em qualquer parte do mundo, e receber críticas positivas em qualquer publicação do planeta.
Vou concordar com Ricardo Batalha, o Eddie Trunk brasileiro, e assinar embaixo, mas com um adendo: o Carro Bomba não é apenas a melhor banda de heavy metal cantado em português do Brasil. O quarteto formado por Rogério Fernandes (vocal), Marcello Schevano (guitarra), Fabrizio Micheloni (baixo) e Heitor Shewchenko (bateria) é responsável, hoje, pelo melhor metal produzido em nosso país, sem sombra de dúvida.
Nasceu um novo clássico, e seu nome é Carcaça!

Faixas:
Bala Perdida
Queimando a Largada
Carcaça
Combustível
O Medo Cala a Cidade
Mondo Plástico
Blueshit
Corpo Fechado
O Foda-se III
Tortura (Pau Mandado)

A invasão do sagaz Homem Fumaça, Planet Hemp

2011-08-06T09:26:00.021-03:00

,
Mais um dos hemp ativistas cariocas malandros. Mas o assunto é sério, cada vez mais.
Esse disco, como todos da Hemp Family (que além de Planet Hemp, inclui o Rappa, Pedro Luís, Funk Fuckers e todos os filhotes dos ex-membros do Planet: D2, BNegão e Black Alien), merece estar aqui sim, mas hoje pra mim é pretexto pra comentar um recente engasgo.
O STF (Supremo Tribunal Federal) não tem que liberar a Passeata pela legalização da maconha (ou qualquer outra passeata ou manifestação de expressão), eles simplesmente RECONHECEM QUE NÓS TEMOS ESSE DIREITO.
Essa não foi a primeira vez que autoridades municipais e estaduais se comportaram assim pessimamente, tentando limitar a manifestação da passeata pela legalização da maconha, seja lá como se chame a cada ano.
E sempre depois tem que se recorrer ao STF para que o direito seja reconhecido. Talvez a melhor solução fosse uma manifestação prévia de que O DIREITO DE LIVRE EXPRESSÃO PODE SER REGULAMENTADO MAS NÃO PODE SER SUPRIMIDO, sendo assim fica sujeito à conveniência das autoridades municipais e/ou policiais para a melhor oportunidade e conveniência da segurança e trânsito.
Não há apologia em discutir a mudança de qualquer lei.
Se você se incomoda, está no seu direito, pode inclusive manifestar esse incômodo também, fique à vontade.
Mas, apesar dos Bolsonaros (é, se liga porque já são três!), o que NÃO EXISTE NUMA DEMOCRACIA É O DIREITO DE NÃO SE INCOMODAR.
E, na minha opinião não humilde, dizer que eu gosto de fazer qualquer atividade, inclusive se drogar (e isso é, claro, uma hipótese retórica, estúpido) ou dar a bunda (outra hipótese, claro, aqui só pra incomodar mesmo) não é fazer apologia, porque o que é bom pra mim (ou o que eu acho que é) pode não ser bom pra você. Mas isto ainda está sujeito a interpretações jurídicas, e não estamos nos EUA, apesar da recente e benvinda emenda do Cristóvão Buarque de incluir a busca da felicidade como princípio constitucional.
Porque, 'como já dizia o Samuca da Patrulha da Cidade', citado aqui no disco pelo Seu Jorge na última música: "Quem não reage rasteja".

Isto dito, vamos ao disco, né...

1. 12 com dezoito: música boa pra começar, rápida, agressiva (inclusive com distorção nas vozes e num teclado eletrônico ao fundo), metralhadora verbal solta! '12 com dezoito é o caralho, o bicho vai pegar!'

2. Ex-quadrilha da fumaça: 'adivinha, doutor, quem tá de volta na praça? Planet Hemp, esquadrilha da fumaça'! 'sujou sujou, disfarça'. Bom riff de guitarra, base suingada pro rap, aqui pelos 3 MCs: Marcelo D2, BNegão e Black Alien, solo de guitarra com fuzz sujo.
'Intoxicados pela ignorância reinante
Os homens fumaça mais uma vez se apresentam pra missão'

3. Test drive de freio de camburão: provocativa à polícia corrupta, lida com a conhecida 'dura', lembrando que a banda podre não responde por toda a instituição.

4. Procedência C.D. : hardcore pesado e acelerado, mas não captei qual é a mensagem...acho que é sobre a mítica e poderosa organização Comando Delta.

5. Stab: aqui dá pra prever o que D2 faria na sua carreira solo, um bom mix de funk e rap, ainda sem o samba, letra inteligante e criativa, refrão maneiro!
'Sempre representando o hip hop,
não tem Faustão nem Gugu,
eu sou primeiro no ibope
Revolução eu vou fazer de maneira diferente,
tiro o ódio do coração e tento usar mais a mente
Botam barreiras no caminho mas sou persistente,
posso cair mas me levanto e sigo em frente
Seguro a bronca, dou um 2 e mantenho a calma'

'Vários irmãos se recolhem e vão em frente, vários também escravizam sua mente
Eu sei bem, quebro a corrente onde passo implanto a minha semente
Gafanhotos nunca tomam de quem tem
Predadores, senhores que mentem, esperem sentados a rendição
Nossa vitória não será por acidente'
(mas afinal o que é stab??)

6. Four track: uma boa surpresa, um rap/hip hop com violão slide! muito legal, prova da criatividade em misturas by Mr D2!

7. Gorilla grip: instrumental tradicional nos discos do Planet, bem surf music pesada.

8. Contexto: já traz o mix samba e hip hop, letra fluida e citações espertas de Zeca Pagodinho e dos irmãos Valle...
'Quem é que joga fumaça pro alto?
Planet Hemp
Chega na cena e toma de assalto
Planet Hemp
Conexão entre o morro e o asfalto
Planet Hemp
(...)
A coisa certa rapa é que tem que ser feita
Cabeça feita, pago o que eu consumo
Se eu quiser beber eu bebo, se eu quiser fumar eu fumo
(...)
Fazendo aquela média clássica
Entre a Lei de Murphy
E a teoria do caos
(...)
Ai Gustavo ai Gustavo a parada é o seguinte
Tem gente que ta dizendo que o Planet Hemp faz apologia as drogas
É mentira tchu tchu é mentira' (citação da música 'Mentira')

9. DZ Cuts: apresentação do DJ Cuts com samples malandríssimos.

10. Raprockandrollpsicodeliahardcoreragga: começa com um sample do João Nogueira da música 'Baile no Elite': "Nelson Motta deu a nota que hoje o som é rock'n'roll" e aí entra uma música pesada e suingada apresentando a carta de referêncvias do grupo. Bata a cabeça, rapá!
'Raprockandrollpsicodeliahardcoregga, mc no microfone em atitude e HC
Representa o Hip Hop, pesadelo do pop, não ta ligado na missão, foda-se'

11. Quem tem seda? : pergunta clássica dos adeptos da ganja, aquele momento de definição e ansiedade. Participação especial de Sen Dog e Micky, que eu não sei de que grupo são. O que interessa é a música, que é muito legal, começando lentinha e ganhando balanço. Apologia?

12. É isso que eu tenho no sangue... : mais uma suingada, samba funk, com citações a vários músicos que influenciaram o Planet.
'Hip hop é o ar que eu respiro
a sabedoria de quem não precisa resolver mais no tiro'

13. Quarta de cinzas: vinheta instrumental suave, com flauta e tecladinhos vintage.

14. HC3: mais um hardcore pesado e acelerado, acho que cantado pelo guitarrista Rafael Crespo.

Ao final, como uma introdução pra próxima música, um cara explicando o que é o jongo.

15. O sagaz Homem Fumaça: um reggae com introdução e vocais auxiliares de Seu Jorge, termina bem e calmo um disco raivoso e contundente. Depois da música tem uma surpresinha, um recado deixado numa secretária eletrônica, hilário...

Produção do grupo e Mario Caldato (Beastie Boys, Marisa Monte, Tone Loc, Seu Jorge & Almaz, Bebel Gilberto, Chico Science & Nação Zumbi).

Alfagamabetizado, Carlinhos Brown

2011-08-02T16:51:00.012-03:00

Mais um da Bahia, meu rei...
Apesar dos protestos dos amigos sem tolerância musical, principalmente daqueles que nunca ouviram este excelente disco que, mesmo não sendo tão sofisticado quanto a próxima postagem do mestre X, tem seu borogodó.
O álbum também consta do livro '1001 discos para ouvir antes de morrer', na mesma página da Bethânia resenhada aí embaixo. Na resenha, diz-se do artista, 'o Prince brasileiro' (!), um ser capaz de representar a essência e a voz do seu povo (!!). Um exagero, talvez, mas tem seu fundo de razão. O livro ainda ressalta o fato do artista fundir a tradição musical tradicional com música moderna, com um 'resultado colossal' (!!!). Também toca no fato disso ser feito com 'maturidade e até sofisticação', com 'integração tão coesa que a linha de fusão se torna quase imperceptível', e aqui eu assinaria embaixo com tranqüilidade!
Buscando imagens da capa, descobri que o disco tem uma outra capa, mais vermelha, diferente da que eu tenho. Independente disso, é mais um disco com produção gráfica caprichada, fotos criativas e bonitas. Mas é meio difícil acompanhar as letras e saber dos músicos envolvidos...
O Carlinhos Brown, que também foi líder da Timabalada, apareceu para o grande público tocando percussão com o Caetano (ele é autor de 'Meia lua inteira'), num show do disco Estrangeiro que começava com luz no Carlinhos e ele, espertamente, direcionava a luz através do pandeiro pro Caê. Daí pro mundo e para os Tribalistas...mas isso já é outro disco, que, por precaução, pra evitar apedrejamento, vou sugerir que a minha filha de 13 anos faça...ou quem sabe a herdeira do Mateus, que eu nem sei se gosta também. Sei que ela gosta de Ramones, o que já é um baita desgosto...pro pai, claro, pra nós é divertido.

Mas vamos ao disco e suas (muitas) faixas:

1. Angel's Robot List: quase uma vinheta, com uma voz citando a alfabeto grego (isso é redundância?) e uns ruídos por trás;

2. Pandeiro-deiro: aqui começa com percussão africana seguida de belas vozes baianas e umas guitarras muito legais, além de um arranjo de sopros muito legal; a voz só aparece bem depois. Participação ilustre de Marcos Suzano no pandeiro solo. A letra, apesar de muito sonora, é total nonsense.

3. Covered Saints: uma das minhas preferidas, calminha, bonita, bilíngüe, solinho bacana de guitarra, merece a ouvida mesmo dos mais radicais. Além de belos vocais, aqui a letra acerta (ou pelo menos faz algum sentido). O porém fica por um violino que sola no limite da (des)afinação, o que, tendo em vista o capricho e o nível dos atuais programas de auto-afinação, deve ser proposital. Mas me irrita profundamente.
'Triste quer saber
se ainda mora em mim
não sei dizer
chega de você
te sinto mais livre no querer
o amor que diga
que fim dar
se de forma ímpar
in a beautiful way
you're devoring me'
Tocava muito na excelente e saudosa (pra mim) Rádio Globo carioca (ainda existe?).

4. Cumplicidade de armário: começa com aquele surdo virado típico do axé, mas não segue assim, acrescentando mais uma guitarra muderna e uma levada pop-reggae. Brown neste disco se cercou de músicos gringos, tendo um som bem internacional e pop, mas com a cara dele. Lembra um pouco a sonoridade do 'Lilás' do Djavan, só que mais animado.

5. Argila: mais uma muito bonita, com bons violões/guitarras, voz cantando sutilmente e harmonia surpreendente pra quem acha que o cara é monotemático.

6. Tour: bem pop, pra tocar na rádio, suingada e leve, com aquela percussão baianíssima e aquele refrão pra cantar no carnaval.
'all right
I'm allright
sinto felicidade
não invente de fazer maaala (sic)'

7. Bog la bag: esta aqui lembra o Prince mesmo! Se ele fosse à Bahia...vc já foi? Então vá. Percussão frenética, junto com a cantoria em carlinhosbrownês. Letra com ajuda do Celso Fonseca. E mais uma vez uma guitarrona, quase metal, a cargo do Roseval Evangelista (!).

8. O bode: mais uma com muita percussão que, apesar de repetitivo, é bem mixado sem embolar com as vozes e outros instrumentos. Mais uma que deve ter feito seu sucesso no carnaval.
'Levanta sacode
que lá vem o bode
corre Chico' (será um aviso ao ex-sogro?)

9. Comunidade-Lobos: um boa surpresa, uma composição quase instrumental e quase erudita com violoncelo e um monte de instrumentos tocados pelo Brown, calmaria com batucada.

10. Frases Ventias: calminha e bonita, a voz aparece limpa, com violões e violoncelo, seguidos de mais vozes e percussões (surdo baixo, enxada, vaso, cúpula de surdo, lé, djembê solo, o que será isso tudo??!).

11. Quixabeira (com música incidental 'Samba Santamarense' e 'Amor de longe'): música de domínio público, aqui com as luxuosas vozes da 'máfia do dendê', os Doces Bárbaros: Caetano, Gal, Bethânia e Gil, muito legal.
'Tu não faz como um passarinho
que fez um ninho e avoou
mas eu fiquei sozinho
sem teu carinho
sem teu amor'

12. Seo Zé: esta aqui tem uma curiosidade, traz o título de um outro disco ('Cor de rosa e carvão'), sendo a música de autoria de Bronw, Marisa Monte (em breve por aqui) e Nando Reis. É uma rumba/bolero destoando um pouco do disco, mas traz variedade. Tem também uns vocais discretos da Marisa.

13. Mares de ti: um pouco mais lenta, etérea e bonita, pop, podia até ter tocado nas rádios, o cara tem o faro pra facilidade, que parece mas não é fácil. Mais um solo de guitarra hard, curtinho!

14. Zanza: tem a diferença de ter a voz filtrada (isto é, com alterações de equalização, com o corte de algumas, sacou?) do Carlinhos, cadenciada e tranquila.

15. A namorada: o hit do disco! Pra levantar a galera, alterna umas guitarras pesadas com wah-wah, sopros (isto é, saxofones, trompete, trombones, sacou?) bem arranjados e claros, guitarra suingada, baixo sensacional do Arthur Maia, refrão grudento, iêiêiês, levada disco, rufos de bateria em fusas (1/16 de compasso, sacou?) e por aí vai...
'A namorada tem namorada'!!!
Apareceu até no filme 'Speed 2 - Cruise control'!

16. Vanju Concessa: pra terminar e acalmar a festa, clima capoeira com berimbau, percussão baiana e Suzanesca, guitarrinha pica-pau e aquela letra nonsense típica.

Produzido por Wally Badarou (Level 42, Fela Kuti, Salif Keifa etc) e Arto Lindsay.

Âmbar, Maria Bethânia

2011-07-29T11:36:00.018-03:00

Continuando na Bahia, vamos à musa Maria Bethânia.

Este é um dos que também são citados no livro original, 1001 discos para ouvir antes de morrer.

É um disco belíssimo, às vezes com aquela performance e interpretação intensos da cantora, mas é assim mesmo, entrega e emoção.

Repertório primoroso, como é de costume em intérpretes não autoras que têm bom gosto, sensibilidade e curiosidade de garimpar novos autores.

Som extremamente límpido, tendo sida a gravação feita em vários locais: SP, RJ, LA, Bruxelas e Londres (Abbey Road!!), com a mixagem tb no Abbey e a masterização em LA zzzzzzz.....

Ainda mais o disco tem um trabalho gráfico muito caprichado e bonito, pena q eu não achei mais imagens para anexar aqui. Um bom motivo pra comprar.

Consta também que é um disco comemorativo: 35 anos de carreira, 35 álbuns e 50 anos de idade.

E começa com a bonita faixa-título, da Adriana Calcanhoto, um violão em estéreo discreto e bonito, um fundo orquestrado leve, assim como a percussão do multiplatinado Paulinho da Costa. Depois entra o trompete brilhante e sinuoso do Steve Tavaglione.

'Tá tudo aceso em mim

tá tudo assim tão claro

tá tudo brilhando em mim'

'Chão de estrelas' (Sílvio Caldas/Orestes Barbosa) é uma bela e depressiva canção, mas a versão definitiva é a dos Mutantes, eu sempre fico esperando a zoação deles...Mas nada com a Bethânia fica feio, né?

'E tu, pisava nos astros distraída

sem saber que a aventura dessa vida

é a cabrocha, o luar e o violão'

'Iluminada' é uma surpresa muito legal, um arranjo nada careta com muitas vozes 'saltitantes', fazendo fundo, percussão e harmonia. Quem será que são Marie Doulne (Zap Mama), Sabine Kabongo e Angelique Wilkie??

'Onde estará o meu amor' (Chico Cesar, parente do Xampu) começa só voz, grave e imponente, aos poucos entrando a harmonia através da harmônica (gaita, pros leigos) e depois a banda, com um clima meio sertanejo e rural, com o vialão de aço do Victor Biglione.

'Lua vermelha' (Carlinhos Brown/Arnaldo Antunes) é a mais bonita pra mim, etérea, calma, letra linda, auxílio luxuoso do pandeiro.

'O circo' (Orlando Moraes/Antônio Cícero) é daquela de crooner, bailão chique num grande salão com acantora vestida de gala. Arranjo meio jazzy, inclusive com uma slide guitar pelo Victor Biglione, que ao fim sola sem slide. Bonito isso.

'Leão, camelo, acrobata

e não há luar

E os deuses gostam de se disfarçar'

'Invocação', mais uma do primo do Xampu, é solene, quase uma oração pagã, com vozes graves ao fundo, bem percussiva e com cordas muito criativas.

'Deus dos sem deuses

Deus do céu sem Deus

Deus dos ateus

Rogo a ti cem vezes

Responde quem és?

Serás Deus ou Deusa?

Que sexo terá?

Mostra teu dedo, tua língua, tua face

Deus dos sem deuses'

Mais uma da Adriana Calcanhoto: 'Uns versos', belas cordas, belos violões, cordas lindas, letra bonita...Bethânia escolhe e interpreta com extremo bom gosto.

'Allez y', do Carlinhos Brown - e perguntem pra ele o que significa, é simples, voz, cordas e violão. Quando digo cordas, são os instrumentos orquestrais que usam cordas: contrabaixos, violoncelos, violinos e violas, sacou?

'Todos os lugares' é mais uma de crooner, piano, voz e cordas doces.

'Quando eu penso na Bahia' (Ary Barroso/ Luiz Peixoto) traz o convidado Chico Buarque cheio de 'iáiá' e 'iôiô' pra cá e pra lá...sambinha animado e legal.

'Ave Maria' tem aquele clima de igreja, violinos celestiais, beata beata beata. Mas é bela também, como uma oração sincera. E ainda tem guitarra e baixo!

'Eterno em mim', do mano Caetano, é grandiosa, com um arranjo que acentua isso, cordas em cascata, seguidas de um piano e voz que ficam bem bonitos.

'Duas coisas que dentro de mim

não podem ter fim

dois azuis no mesmo azul

meu horizonte sem nuvem nem monte

em mim o eterno é música e amor'

E pra terminar pra cima, 'Brisa', um poema musicado de Manuel Bandeira. VViola bonita, bem brejeiro (sempre quis usar esse adjetivo!), além de violão e guitarra discretos.

'Aqui faz muito calor

no nordeste faz calor também

mas lá tem brisa'

Tropicália 2 - Caetano e Gil (1993)

2011-07-25T21:47:00.010-03:00

A Tropicália foi um movimento artístico ímpar na cultura brasileira - não só por ter expressado uma nova atitude perante à política, a moral e ao corpo, mas porque soube fazer tudo isso de um jeito diferente. Os tropicalistas inventaram uma nova estética: misturaram plástico à miçanga, guitarra ao berimbau, Coca-Cola à Brigitte Bardot. A cena musical brasileira em 1968 foi se tornando cada vez mais polivox: conversavam o velho e o novo, e o Brasil com o mundo.

Em 1993, a Tropicália completou 25 anos e os dois pop-tropicalistas Caetano e Gil comemoram fazendo o que fazem muito bem: música! Se uniram ao Liminha, tropicalista histórico da primeira hora na produção e, juntos, foram costurando um novo projeto que tinha a ver com o passado, mas que também tinha muito a ver com o que a Tropicália tinha feito de todos eles. Como se a criatura estivesse sendo engolida pela boca do criador.

O cd abre com “Haiti” – rap em baixa velocidade, violoncelo de Moreno e percussão de Ramiro Mussoto se misturam à história lado B do Haiti. E na música, estórias vão se cruzando com questões raciais que não se apagam com o tempo, a outras estórias, e a sensação que nos resta é a de que não precisamos ir até ao Caribe, que o Haiti, é aqui. O Haiti não é aqui.

“Cinema Novo” é uma obra de arte. O cinema como fonte de inspiração para a Tropicália. A tela era um lugar, onde sem dúvida, se estabelecia “outras conversas sobre os jeitos do Brasil”. E num balanço delicioso, alegre, a música vai contando a estória do impacto do cinema na música. É a pororoca entre as duas artes: “as imagens do país desse cinema entraram nas palavras das canções”. Cinema Novo, o novo Cinema Transcendental.

“Nossa Gente” e “Cada macaco no seu galho”, bahianíssimas total. É o carnaval que corre nas veias e escorre desses dois baianos. A primeira do Olodum, dona da melhor frase do ano : avisa lá que eu vou chegar mais tarde! E segunda do Riachão, com a participação do Carlinhos Brown, engrossando a presença soteropolitana no cd.

O som negro roquenrrol de Jimi Hendrix era ouvido adoidado pela trupe tropicalista no apartamento paulistano, entre móveis de acrílico coloridos, onde morou Caetano entre 1967 e 68. Influência fundamental na Tropicália, Jimmi Hendrix não poderia faltar em “Tropicália 2”. “Wait until tomorrow”: leitura suingada, abrasileirada, com a presença mais uma vez da turma de Carlinhos Brown e de Nara Gil.

“Tradição” é uma das minhas músicas favoritas do Gil. É uma música que traz coisas da Bahia, um sentimento do lugar, mesmo pra quem nunca tenha vivido lá… Traz também o desabrochar de uma personalidade. É um menino que olha para uma menina, mas acaba observando que o rapaz que estava com ela era diferente de tudo que ele tinha visto até então. Uma coisa meio rock’n’roll, com calça americana. “Tradição” conta a estória de um projeto de ser um homem diferente, que acaba sendo mais importante do que ter aquela menina. O lindo na música é o interesse e a identificação pelo diferente.

“As coisas” a lindíssima de Arnaldo Antunes, além de mais suave na voz de Gil e Caetano, ganha também uma batida mais rock com as brincadeiras de Pedro Sá na guitarra e Liminha no baixo. Gosto especialmente da inclusão da aguda “As coisas”. Essa escolha é mais uma prova da intenção polivox tropicalista.

“Baião Atemporal”, gravada em Los Angeles, é quase uma oração para Tom Zé. De Irará para o mundo.

“Tropicália 2” é uma metamorfose feita em tom de festa. É o encontro com a necessidade de Caetano Veloso em esticar a palavra e seu sentido até a explosão, com a natureza aventureira e livre de Gilberto Gil …

[ANDRÉA]

Lisbela e o prisioneiro - trilha sonora

2011-07-25T10:34:00.012-03:00

Um filme leve, divertido, a cara da antiga sessão da tarde, se é que você me entende.

A trilha também diverte, é original e bem variada, com boas canções e versões.

Caê inicia bem o disco, com uma versão da música extremamente brega e bela 'Você não me ensinou a te esquecer', do repertório de alguém que eu não sei (socorro, Zeba!). A versão aqui traz um som mais muderno com uns lopps eletrônicos discretos mas interessantes, a cargo do excelente produtor André Moraes (que inclusive tem ou tinha uma banda de metal, Infierno, que será resenhada por aqui) e Pedro Mamede. Belíssimas cordas (violoncelo e violinos).

Em seguida uma surpresa maneiríssima: Zé Ramalho com Sepultura!! 'A dança dos borboletas' ficou sensacional, com as vozes se combinando muito bem sobre a base pesada do Sepultura ainda com o Igor, além da guitarra extra e Citar guitar do André.

'A Dama de Ouro' com Zéu Britto é uma daquelas engraçadinhas e divertidas, meio forró meio metal (parede de guitarras pesadíssimas no refrão) meio reggae...é, a matemática não tá muito coerente, né?

'Para o diabo os conselhos de vocês' é do antigo e malandro Carlos Imperial (com Nenéo), aqui interpretada pelos Condenados, com a voz hard rock de Clarice Falcão, bem legal.

'Espumas ao vento' acho que é do repertório do Fagner, aqui cantada pela Elza Soares, muito emocionada, voz fluindo entra o choro e a raiva, mais uma muito legal nessa excelente trilha.

O André Moraes toca aqui violão flamenco (o cara toca em todas as faixas até aqui!).

Aqui entra um gênio ainda não resenhado por aqui: Yamandú Costa, debulhando o violão de 7 cordas, fazendo uma base de luxo pra voz do Geraldo Maia na canção 'Deusa da minha rua'. Linda.

Aparece o vampiro Jorge Mautner acompanhado do Caetano cantando a antiga 'Oh Carol' (John Sedaka/Howard Greenfield), rock'n'roll doce e suave.

Lirinha, acho que do Cordel do Fogo Encantado, canta aqui 'O amor é filme', bela canção, aqui com todas aquelas percussões típicas pós-Nação Zumbi e mais umas guitarras pesadas a cargo do André...Tem até uma passagem meio jazz no meio.

A faixa-título, de Caetano e José Almiro, vem cantada pelos Los Hermanos, com os dois vocais cantando!! E o Rodrigo ainda toca uma viola caipira de dar gosto, muito muito legal.

'O matador' é da trilha incidental, uma instrumental do Sepultura com uns instrumentos orquestrais e mais a guitarra do André Moraes.

A próxima, 'O boi', também é instrumental e mais curtinha, só que aqui só com o André e mais uma outra banda.

No fim duas versões pra músicas já tocadas: uma orquestral de 'O amor é filme' e uma versão forró de 'Lisbela' pelo Trio Forrozão, que inclusive traz a informação de que a canção foi composta para a peça de mesmo nome.

Veja o filme e compre o disco.

(Dão)

Mula Manca & a Fabulosa Figura, Amor & Pastel (2007)

2011-07-09T15:25:00.007-03:00

Há uns meses, fuçando na internet tive a grata surpresa ao me deparar com um grupo que até então não conhecia: Mula Manca & a Fabulosa Figura. Não sei se foi a capa surrealista ou o nome quixotesco, mas o fato é que algo me chamou atenção e resolvi escutar uma música. Gostei e passei a escutar outras até decidir baixar o disco inteiro e fiquei animado com a descoberta pessoal.

No mesmo dia, apresentei a novidade para a Carol, minha namorada, com um leve receio de que ela, com maior rigor, se decepcionasse. Entretanto, não só isso não ocorreu, como ela se tornou rapidamente fã do disco, mais até do que eu.

Depois, pesquisando, descobri que se tratava de um quarteto Pernambuco (mais uma grata surpresa musical de lá) formado por Tibério Azul (voz, violão e canções) e Castor Luiz (voz, piano e canções), Dom Angelo (guitarra) e Bruno Cupim (percussão) e que Amor & Pastel, o disco em questão, era o 2º e foi lançado em 2007. No primeiro trabalho em 2004, a banda atendia pelo nome de Mula Manca & a Triste Figura.

Reparando bem, o Amor & Pastel apresenta, em sequencia, uma espécie de trilha sonora de um casal em crise. Começa com uma quase MPB “Se Lavo, Lavu”, com a voz masculina de Tibério Azul interpretando a esposa abandonada, tal como Chico Buarque em diversas canções. Em seguida, a bilíngue “Blond Girl”, que conta inclusive com um piano ao melhor estilo bossa nova para retratar a fossa do momento de crise:

No meu carro uma bossa
Um poça que tu gosta
Uma frase meio torta
Uma barriga em meu violão
Uma, duas luas
Uma cachaça, dois coração

Outro par me convidou...para dançar do lado de lá...eu vou. Em “Outro Par” surgem os primeiros sinais do desgaste da relação ao ritmo de um excelente samba de raiz, emendando em “Dinheiro” (uma das minhas preferidas), cuja letra criativa mexe com o imaginário da vida boa de um cara após ganhar dinheiro e esnobar a antiga paixão:

Paris! Europa! Chile! Argentina!
Girafas! Caribe! Charutos!
Hula - Hula! Baralho! Loiras!
Piscina na cobertura!
Massagem, passagem, uma bela paisagem!
Ah, você só vai olhar!

Com uma levada dos tempos do Iê-Iê-Iê, a introdução de “Dinheiro” remete muito à recente “Invejoso” de Arnaldo Antunes. Antes que surjam especulações maldosas, importante dizer que essa música do Mula Manca & a Fabulosa Figura é mais antiga.

“Loteria” vem em ritmo de samba com bossa e o piano volta ter uma participação na curta “Escravo”, onde a crise do casal apresenta-se em sua plenitude: Preciso me humilhar ... E ser só coração...Ou levá-lo numa bandeja...Pra ver se você se comove.

Refletindo a sopa de sentimentos pós-separação, vem “Fórmula 1”: Leio as notícias no jornal...são iguais...Faço um chá pra nós dois..você se foi.. Mas hoje me deu uma sensação... um sentimento de grandeza... uma vontade de dizer...voe voe voe querida..voe voe voe meu bem.... Trata-se de um som que remete ao tempo da jovem guarda. Se fechar os olhos, até a voz lembra o bom e velho Tremendão em mais uma letra divertida e até surrealista.

O céu testemunhou... Cecilia aquela flor...Não murcha, parece que se apetece...Esta cada vez maior cá em mim . “Cecília” começa com letra e sons tristes, mas traz também boas recordações em ritmo alegre dentro da mesma canção:

Aí me recorda,
aquela história da gente dançar como um par
O mesmo baile, eu no mesmo traje e teu vestido insiste em rodar
Juras e beijos, abraços, um regaco escondido pra noite durar
O teu sorriso, cabelo comprido, um adorno com a flor no lugar

Deita aqui...Eu arrumei a cama pra nós dois...Esquece tua mala aí, aqui.... Em “Deita aqui”, uma voz feminina numa canção suave reflete a busca pela reconciliação. O diálogo entre o casal continua depois em ritmo de forró pé-de-serra com “Animal”, afinal sou o mesmo rapaz de cabeleiras longas. Música sensacional.

A trilha da história segue com dois sambinhas “Terra, Água e Sal” e “Paletó”, que retrata brilhantemente a nostalgia que surge após a separação consolidada:

Pouco me tem interessado ultimamente
É que a saudade manda mensagem súbita
Você não está pra me fazer um cafuné
E a leveza já precisa ser

Aos sons de passarinho e com uma bela levada, em "Varanda" a esperança renasce...ainda que sob a incerteza:

Não fique triste, me promete
Que se derrete quando eu voltar
Se eu voltar (...)

O ritmo acelera em “Pé no Chão” com uma letra quase surrealista para encerrar em clima de suspense com “Arrepio”.

Enfim, não sei se foram as múltiplas influências, a alternância entre tropicália, mpb, jovem guarda e mangue beat, ou ainda as letras bem humoradas, mas o fato é que Mula Manca & a Fabulosa Figura me conquistou definitivamente e esse disco transformou-se numa deliciosa trilha sonora do último verão, quando ao lado da Carol, passávamos tardes ensolaradas tomando cervejinha na piscina de brinquedo. A diferença é que, ao contrário do enredo do disco, o clima dominante era de plena harmonia. Valeu Mula Manca! Esperamos ter a oportunidade de ouvi-los em algum show futuramente.

Paul

Obs: para conhecer o trabalho deles, www.myspace.com/mulamanca

Dente de ouro, Blues Etílicos

2011-07-09T10:54:00.015-03:00

E pra um dia frio, blues.

Blues brazuca, com letras típicas - algumas em português, versões, muitas instrumentais e um suíngue apimentado.

Maior banda brasileira de blues, com 26 anos de estrada, merece estrear a seção blueseira do nosso blog.

http://www.bluesetilicos.com.br/

Play the blues!

Que inclusive começa rock'n'roll: 'It's my soul' tem essa vibe, aquele shuffle típico com aquela gaita bem tocada pelo sensacional Flávio Guimarães, além do slide do Otávio Rocha! Soul blues.

'O sol também se levanta' é um exemplo de blues bem transportado pro Brasil, uma letra sobre ressaca (podia ter tocado no dia seguinte do Itupervastock), instrumental acústico.

"O sol me acorda e ainda é cedo!

Eu fico logo de mal humor

A minha cabeça ta rodando, de onde é que vem esse tambor

É de manha e eu tô numa ressaca, eu me arrasto até o banheiro

me sentindo enjoado enfio a cara no chuveiro

É nessas horas, eu digo pra mim mesmo nunca mais vou beber

Mas vem caindo a tardinha...

Preparo outra caipirinha"

'Cachorrada' é instrumental, com uns metais (gaita, trompete by Greg Wilson e sax barítono by Henrique Band) muito legais, além do solo matador!

Aí vem a maneiríssima faixa-título, uma música de capoeira com berimbau e atabaque do Mestre Garrincha, arranjada pro formato blues com slide dobro e tudo! Muito muito legal! Solo de gaita sensacional.

"Ela tem dente de ouro

Aih meu deus foi eu quem mandei 'botar'

Vou rogar é, uma praga prá esse dente se quebrar

Ela de mim não se lembra, aih meu deus nem dela vou me lembrar

Casa de palha é palhoça, se eu fosse fogo queimava

Toda mulher ciumenta, se eu fosse a morte eu matava"

Mais uma instrumental 'Dromedário', cheia de wah-wahs, solo de baixo e gaita altíssima.

'Misty mountain' é mais contemplativa, começando com um violão e voz bonitos, solinho de gaita e entra a banda, dinâmica é tudo...vale a audição, eu sempre gosto de ouvir essa lá de cima das montanhas.

Mais uma instrumental, 'Texas frogs', animada e alto astral, tá até esquentando esse frio gélido curitibano.

'It ain't easy' é um suinguezinho maneiro, não tipicamente blues, mas se mistura bem no geral.

'William's influence' é uma instrumental com um som de gaita diferente, é a cromática. Só não sei quem é o William...

Toca Raul!! 'Canceriano sem lar (Clínica Tobias blues)' ficou muito legal, num blues acústico com aquelas paradinhas típicas e um slide dobro malandro.

Na seqüência mais uma instrumental, 'Albert's mix', agora com um pouco mais de drive! A música termina de repente, estranhíssimo, deve ser o Albert King cortando a mix...

'Águas barrentas', provavelmente em homenagem ao Muddy Waters, sacode a casa.

'Mambo chutney' é bem latina, com uma guitarra balançante, congas e trompete, legal.

'Liberdade' é uma boa surpresa, de Fernando Pessoa (acho que é o poeta português) e Márcia de Carvalho, bluesão quase acústico com uma voz com distorção ao fundo.

Que já emenda numa instrumental mais lenta e bem curtinha, 'Elefante'. Acho que tem instrumentais demais, por mais que sejam legais, né?

'Cerveja' lembra por que eles são etílicos! Co-autoria dos caras com o Fausto Fawcett, que inclusive canta aqui com aquela voz carioca típica.

"Vou virar vou virar esse copo

Cheio de espuma cheio de ouro

Vem cerveja vem beijar meu sangue

Alquimia de espuma libertaria

O mundo é veia aberta a minha volta

Hoje eu to bebendo cerveja

Toda bebida é binóculo da alma

É raio x da perdição dos sentimentos

Cerveja me libera, me leva ao paraíso

Ah loura liquida me leva pro seu liquid sky

O mundo é veia aberta a minha volta

Hoje eu to bebendo cerveja

É paraíso dos desejos, encruzilhada violenta de tesão

Que me importa como o tempo passa

Cerveja me libera

Pra tempestade da carne

Pra tempestade da rua pra tempestade do sexo

Pra tempestade de tudo

O mundo é veia aberta a minha volta

Hoje eu to bebendo cerveja"

E depois de 16 músicas, 'Little Martha' (D. Allman) termina bonito o disco, acústica e leve.

Long live the blues.

The ultra sounds of Shivaratri

2011-07-06T18:23:00.003-03:00

Continuando a linha de ligação com a Índia, iniciada pelo Mateus, trago hoje aqui um projeto interessantíssimo da Egrégora dos praticantes do Método DeRose, da qual tenho orgulho de fazer parte.

Farei alguns breves esclarecimentos aqui, que depois extenderei num post futuro sobre um cd de Mantras propriamente dito, mas qualquer curiosidade extra, pesquisem em www.uni-yoga.org.

Por hoje, ficaremos com uma das definições de Mantra encontradas no livro 'O poder do Mantra' (Ricardo Melo e Caio Melo): "Para começar a compreender melhor o termo, você pode partir de um conceito mais popular e flexível, mas que gera uma boa reflexão: mantra é qualquer palavra ou som que se posa emitir. Existe um ditado no Yôga que diz: palavra é mantra. Ou seja, em qualquer idioma, quando se fala qualquer coisa, emite-se um mantra, um arquétipo vibratório e sonoro de uma intenção".

Então partindo desse conceito, esse aqui também é um álbum de mantras, mas arranjados com uma roupagem mais elétrica (guitarras, baixos e teclados) e eletrônica, mas com percussões sempre presentes e vibrantes.

O 'ultra sounds' do título remete aos sons que ocorrem "em uma freqüência superior àquela que o ouvido humano pode perceber, cujo limite é de aproximadamente 20.00 Hz", esclarecimento também do livro citado. Então as vibrações existem e de alguma maneira elas são percebidas.

Os mantras dos quais se parte para as músicas deste disco são Kirtans, em Sânscrito cântico. "Como seu significado denota, é o mantra que possui várias notas musicais, várias palavras e geralmente tem tradução. É importante frisar, porém, que não se trata de música, e nenhum mantra, incluindo o kirtan, é cantado. No jargão de quem conhece o assunto, diz-se vocalizar e não cantar mantras. Kirtan é um mantra de efeito extroversor(...)", ainda do livro citado.

Então vamos ao som, no caso, sonzaço!

Pra quem acha que se trata de músicas relaxantes e contemplativas, esse disco pode impressionar. As guitarras são muito legais, pesadas em muitos momentos, com bons efeitos de estéreo e modulações psicodélicas. Os vocais são muito bem colocados, fugindo totalmente de qualquer estereótipo 'natureba indiano', podendo rolar o som numa festa com roqueiros ou na balada dance.

Shivaratri é um grupo formado por Leo Spínola (vocal e guitarra), Walter Cândido (vocal e mridanga), a bela Evelyn (vocal e meia-lua), Johnnie (DJ) e Charles Maciel (djembê), que além de músico é um excelente mestre de cerimônias e frontman, com quem tive o prazer de tocar Sitar Guitar no último DeRose Festival, em Florianópolis. Obrigado pela boa recepção! Um ensaio e dois shows!!

Mais informações em www.shivaratri.net

O disco começa com um riff de baixo distorcido e uma bela guitarra, trazendo depois a bateria eletrônica e as percussões coloridas. Antes das vocalizações entra uma bela guitarra limpa e suingada. 'Guriji (Jaya gurují ÔM Dê)' é um belo início e se você não conhece o mantra demora pra perceber que é disso que se trata. Solinho bacaninha de guitarra! Acho que a cargo do convidado especial Gegê Spínola.

'Hari Gauri (Hari ÔM namah Shiva)' é mais uma surpresa, começando também com uma linha de baixo, só que agora um acústico, seguido de uma bateria leve e uma guitarra com um pan estéreo muito bem sacado! Aqui o convidado especial é Durval Lelys na guitarra. Mais solos de guitarra.

'Jaya Shiva (Jaya Shiva Shankara Bhôm)' já traz um arranjo mais eletrônico, começando já com uma bateria bem seca e uns teclados pesados. Muito vigor e energia, boa pra começar o dia, principalmente se você canta, ou melhor, vocaliza junto. Belíssimo solo de guitarra.

Mais calma no começo, 'ÔM Shiva (ÔM Shiva ÔM Shakti)' alterna vocais masculinos e femininos, crescendo em dinâmica com guitarras mais pesadas e uma bateria muito legal.

'Shivaya ÔM' é mais calma, com teclados/sons fx mais 'viajantes' e um som de cítara bonito, além

de um dedilhado de guitarra bonito finalizando.

Volta a animação, guitarra nervosa e suingada: 'Umapatê (Jaya Shiva Shankara Umápatê)'. Mais uma boa pra começar ou animar o dia.

'Natarája' começa com um efeito de eco ping-pong (bom de ouvir com fones) e mais um riff de baixo distorcido, dá uma acalmada pra entrar uma bateria suingada e os vocais disputando com o peso do som, nada relaxante, ouvinte desprevenido! Essa aqui tem aquele break de música eletrônica no meio, bom pra mixar.

Pra terminar em alto astral, 'Shambhô (Jaya jaya Shiva Shambhô'), com uma guitarra bonita, uns sons estranhos, aparentemente ondas sonoras invertidas, seguidos daquele beat eletrônico maneiríssimo! O vocal aqui soa diferente, talvez filtrado. Mais guitarras com overdrive!

SwáSthya!

Cena Brasiliense: O Concreto Já rachou (Plebe Rude, 1985)

2011-06-30T16:22:00.003-03:00

Brasília, capital da esperança. Brasília dos camelos, dos blocos e quadras, das zebrinhas e tesourinhas. Brasília, o eterno “autorama gigante”. Brasília das siglas. Brasília sem ruas, mas com esquinas. Brasília, fruto do traço do arquiteto. Brasília da seca e dos finais de tarde cinematográficos. Brasília dos centros comerciais, dos muitos porteiros e das pessoas normais.

A capital federal entrou para o mapa da música brasileira na década de oitenta, em meio à onda do rock brasileiro. Após o estouro das bandas do Rio de Janeiro e de São Paulo, foi a vez de Brasília apresentar-se ao mundo. Três bandas da cidade capitanearam o movimento: Legião Urbana (a mais cultuada), Capital Inicial (ainda em atividade) e Plebe Rube, a Suprema Trindade do rock candango. Todas as três formadas por uma garotada que sentia muito tédio na capital, mas era extremamente bem informado sobre música pop – em especial punk, pós-punk e new wave norteamericanos e britânicos.

A Plebe foi criada no início dos anos oitenta. Em sua formação original – eu chamaria de “clássica” – a banda tinha Phillippe Seabra (guitarra), Jander Bilaphra (guitarra), André X. (baixo) e Gutje (bateria). Foram esses quatro garotos que realizaram um dos discos seminais do rock nacional, O concreto já rachou.

Produzido por Herbert Vianna, O concreto... foi lançado em 1985, em pleno início da redemocratização do país. Trata-se, na verdade, de um mini-LP (sete canções em pouco mais de vinte minutos), algo pouco comum para o mercado brasileiro. A experiência deu certo, porém. Mais de duzentas mil cópias foram vendidas entre 1985 e 1986.

A primeira canção é “Até quando esperar”, hino de várias gerações. A música, um petardo, é um libelo contra as desigualdades econômicas e sociais e não perdeu a atualidade, mais de 25 anos depois de seu lançamento. “Até quando...” foi o carro-chefe do disco, tocou do Oiapoque a Jaú e colocou os meninos no miolo da cena musical brasileira, com direito aos Fantásticos e Faustões (que não existia àquela época) da vida. A seguir, “Proteção”, outra porrada de pouco mais de dois minutos. “Tropas de choque, PMs armados/mantém o povo no seu lugar”. Ecos de The Clash e Gang of four no cerrado.

A obra tem ainda as dispensáveis “Johnny vai à guerra” e “Seu jogo” e as fabulosas “Sexo e karatê” (acelerada em estilo ramoniano) e “Minha renda” (com a antológica frase “vou mudar meu nome para Herbert Vianna”). A última canção, porém, fecha o disco com chave de ouro.

“Brasília”, a música, sintetiza a vida na capital. “Brasília tem luz, Brasília tem carros/Asas e eixos do Brasil/Servidores públicos ali”. Duas guitarras toscas dialogam ao longo dos pouco mais de três minutos da canção. Para quem mora na cidade basta fechar os olhos e sentir-se em meio ao ambiente único do local.

Depois, veio a quase inevitável decadência. O álbum seguinte, Nunca fomos tão brasileiros, de 1987, pecou por certa grandiloqüência que não combinava com o punk dos rapazes. A Plebe ainda está em circulação, com nova formação (Clemente, ex-Inocentes, e Txotxa na bateria) mas com o velho pique.

Brasília, por sua vez, segue na velha rotina de muitos porteiros e pessoas normais.

Um rápido PS: a quem interessar possa, o livro O diário da turma 1976/1986 – a história do rock de Brasília, de Paulo Marchetti, conta em detalhes a história da Plebe & companhia.

[XAMPU]

E se?... (tudoaomesmotempoagora - Titãs, 1991)

2011-06-28T15:58:00.004-03:00

De certa forma, o passo dado no disco Titanomaquia era ensaiado aqui, Tudo ao Mesmo Tempo Agora. Os Titãs vinham de três discos de tirar o fôlego, que os deixaram enterrados a raízes profundas nos corações mentes dos homens e mulheres primatas, o pulso pulsando e a miséria musical para sempre extinta de uma geração que era chamada de coca-cola.

Tudo ao Mesmo Tempo Agora talvez seja o depoimento de uma banda que não queria mais ser “ícone” de uma geração, ei! Estamos abandonando de vez a cola, ficamos só na coca! Acho o último grande álbum deles, uma missa de réquiem, ainda que nos álbuns seguintes, aqui e ali, colham-se alguns frutos saborosos. É o disco onde o compositor olha para dentro de si mesmo e explode seus conflitos internos e externos de maneira irreprimível e irrevogável.

A capa do disco já mostra isso, uma capa desagradável de se olhar, recortes de Atlas do corpo humano, as cores de açougue e as palavras grafadas no alfabeto grego, como quem avisa: este disco é só nosso e não vai ser fácil ouvi-lo, mais ainda gostá-lo. Pra quem queria mais do mesmo, uma decepção. Pra quem se dispõe a acompanhá-los como quem confia nas viagens de um grande amigo: vale a pena.

A lista de músicas não aparece na capa nem contra-capa, onde só consta, em letras miúdas, mais um aviso: composto arranjado e produzido por Titãs. Isso que pode parecer um enigma, na verdade se revela a pista mais evidente aqui.

As músicas de rádio deste disco não eram fáceis. Clitóris faz Igreja soar como canção natalina, e Saia de Mim é a canção sem-vergonha de ser humano, do ser-humano. O último disco com Arnaldo e talvez aquele que sugeria a Nando Reis a porta da rua. Algumas das canções são bem fracas, como Isso Para Mim é Perfume, uma forçada de barra para parecer mais agressivo do que se é. Mas é um disco mais centrado no som da banda, que está muito afiada, o núcleo guitarra(s), baixo e bateria dá as cartas aqui, então, aquela que era conhecida pelas letras e diversos vocalistas se revezando, troca de foco, e o sinal são canções com letras curtas, de conteúdo mínimo, hai-cais a la Titãs, roc-kais, como Obrigado, Cabeça, Se Você está Aqui, e faixa que dá nome ao disco e o encerra de maneira acachapante.

Em tom de depoimento, confessionário vem Eu Não Sei Fazer Música e Não é Por Não Falar, enquanto que em Filantrópico, Eu Vezes Eu e O Fácil é o Certo são os ‘velhos’ Titãs, dando o ‘toque’. Mas as minhas favoritas deste disco mesmo, que mostram a banda viajando em outras direções são Já e Agora. Essas duas são as melhores músicas de toda a discografia dos Titãs... Pra mim pelo menos. Música muitas vezes agente ouve e gosta mais pelo conforto de se encontrar em mares conhecidos, do que pelo espanto causado pelo novo. E os Titãs sempre foram a banda do espanto, e o espanto aqui vem nestas duas canções, com um som de banda magnífico que eles não tinham ainda alcançado em nenhum dos discos anteriores...

Já colocou todas as roupas na mala? Agora que agora é nunca

A sua casa já desmoronou no meio da sala? Agora posso recuar

você já tentou varrer a areia da praia? Agora a última resposta

Já dormiu sozinho num canto de rodoviária? Agora a língua em minha boca

Já dormiu com alguém por migalha? Agora é só meu corpo nu...

Outra pista é o fato de que, diferente do que acontece nos discos anteriores, a autoria das composições não é explicitada faixa a faixa, sinal de que, ou o processo de composição foi diferente, ou ela é menos importante aqui do que a execução, que se torna mais autoral até do que a própria fabricação... E a última pista talvez seja o Flat-Cemitério-Apartamento, música onde a chave é... E se ?

Pois é, neste disco os Titãs estão dizendo isso:

E se ?

[M]

Kaya N'Gan Daya, Gilberto Gil

2011-06-26T15:17:00.010-03:00

Neste dia 26 de junho aproveito pra postar um disco do aniversariante Gilberto Gil. Não por acaso, eu também faço aniversário hoje.

Porque provavelmente a coisa se deu assim: em 1970, Gil em Londres, acorda, breakfast, a galera acorda, parabéns!, rolêzinho sob o sol de verão, almoço, volta pra casa, acende um, papelzinho colorido na boca, o som começa a rolar, violões e percussão de leve pra não incomodar a vizinhança britânica.

Lá pelas tantas Gil, que estava curtindo e vendo shows do Pink Floyd e Led Zeppelin, pensa: "pô, queria um guitarrista aqui, mas um que achasse João Gilberto tão genial quanto Hendrix, que gostasse tanto de rock quanto de Tom, Chico e Caetano!". Neste exato momento, Apolo, Dionísio e as 9 Musas atenderam seu pedido: eu nasci.

Bem, talvez não tenha sido exatamente assim...

E, claro, ele não tinha como saber que eu gostaria muito de Gilberto Gil e também de Bob Marley, aliás Robert Nesta Marley.

Que são os co-autores do disco de hoje, onde nosso herói ítalo-baiano recria e interpreta sucessos e nem-tão-sucessos assim do nosso herói jamaicano.

Gil foi bastante fiel aos arranjos originais, mexendo um tiquinho aqui e ali, sempre com sua voz deixando as músicas com a sua cara. Ele inclusive faz no encarte um paralelo entre Bob e Luiz Gonzaga.

'Buffalo soldier' é fiel ao original com alguns metais fazendo a diferença. Também uns floreios de voz do Gilberto, uma modulação e um canto africano ao fim.

'One drop' traz as vozes das I-Three (Rita Marley, Marcia Griffiths & Judy Mowatt), trazendo uma cor tipicamente jamaicana à canção, que traz aqui como diferença um banjo a cargo de Setrgio Chiavazzoli.

"I know JAH'd never let us down"

'Waiting in vain' é mais uma bem fiel, com aquele tecladinho magrinho e tudo. Aqui o mesmo Sergio faz um cavaquinho discreto, principalmente no clima sambinha no final.

'Table tennis table', a única inédita original do disco, tem Liminha ao baixo, que na maioria das músicas traz Arthur Maia. Aqui também tem o Ramiro Mussoto na percussão, já resenhado aqui pela amiga Andréa.

'Three little birds' ficou bem íntima, com violãozinho de fogueira e triângulo surpreendendo na percussão. Aqui a sanfoninha deixa o clima mais forró.

'Não chore mais (no woman no cry)' já havia sido gravada por Gil, numa versão de sucesso e que, pelo menos pra mim, foi o rpimeiro contato com o Bob. Aqui a regravação é reverente, mas traz um arranjo de cordas na primeira parte acústica, ficando mais adocicada. No meio o arranjo muda e entra o reggae com tudo, tocado aqui pelos Paralamas do Sucesso com o Tom Capone. Maneiro. Com solo do Herbert Vianna.

'Positive vibrations' é sensacional, aqui com força e vigor, lembrando que positividade não tem nada de fraco. Tem até um guitarra cítara fazendo uns detalhes.

'Could you be loved' traz um arranjo bem fiel mas com músicos convidados de alto calibre: Sly Dunbar na batera, Robbie Shakespeare no baixo, Samuel Rosa e Henrique Portugal do Skank. No meio tem um trechinho bem curto e no final um pouco maior lembrando que estamos com Sly & Robbie, mestres do Dub drum'n'bass.

'Kaya N'Gan Daya (Kaya)' vem em versão em inglês/português com cara brazuca, já iniciada pelo berimbau chamando pra curtição. No meio se converte em português, com uma letra malandra sobre a erva conhecida:

"Eu posso ver

o sol aparecer

sobre a chuva que cai

tão bom rever

a tribo, o fumacê

do cachimbo da paz

(e muito mais)"

Pra quem não sabe o que é Kaya, sempre vale uma googlada.

Em outros tempos pré-lei proibindo o fumo em ambiente fechados, festas no Pampo em Itacoatiara/Niterói/RJ, sempre recomendavam "se for fumar kaya na praia"...

'Rebel Music' é mais uma das fiéis e reverentes ao mestre do reggae.

'Them belly full (but we hungry)' traz de novo a presença luxuosa dos Paralamas, agora com João Fera tb. Versão seca e precisa, como deve ser uma música sobre fome. Com abordagem positiva, sempre:

"We're gonna dance to JAH music, dance

Forget your troubles and dance

Forget your sorrow and dance

Forget your sickness and dance

Them belly full but we hungry

A hungry mob is an angry mob"

'Tempo só (time will tell)', uma das minhas preferidas, traz outra versão inglês/português, mais lírica, calminha, cheia de espaços e barulinhos. Engraçado o Gil ter uma música paralela ao tema, 'Tempo Rei'.

''Time alone, oh! time will tell

you think you're in heaven, but you're living in hell"

'Easy skankin'' tb é bem fiel, tranquila e easy. Tem uma guitarrinha com filtros, discreta, pelo meio da música.

'Turn your lights down low' traz aquele clima romântico bonito, excelente pra dançar juntinho, se é que isto ainda se pratica...Solinho de sanfona de Cícero Assis.

'Eleve-se alto ao céu (lively up yourself)' é cantada em português somente. Mais uma legal, disco acabando. Solinho de guitarra mais nervoso, talvez do Tom Capone.

'Lick samba' termina em alto astral transformando o que não era samba no próprio, característico do Recôncavo baiano, aqui com a voz especial de Rita Marley e percussões variadas.

Valeu Bob, valeu Gil.

Agora eu vou ali acender (ou apagar) minhas velinhas...

Claridade, Clara Nunes (1975)

2011-06-25T11:09:00.008-03:00

Esse blog está quase chegando ao nº 200 e me dei conta de que estávamos cometendo uma falha grave, com a ausência de uma das maiores cantoras brasileiras: a guerreira Clara Nunes. Nesse sentido, o presente post tem como missão primordial preencher essa lacuna. Dentre os 15 discos de estúdios, optei por Claridade, de 1975, porque, por um lado, conta com um repertório de primeira, aliado ainda ao sensacional bandolim de Joel Nascimento e excelentes arranjos; enquanto, por outro lado, me faz retornar à minha infância quando escutava essas canções na vitrola da minha mãe no Rio de Janeiro.

Demonstrando sua predileção por compositores da Portela, Claridade abre em grande estilo com “O Mar Serenou”, de Candeia. Trata-se de uma interpretação magnífica de uma canção que marcou um estilo, canção até hoje relembrada nas melhores rodas de samba. O mar serenou, quando ela pisou, na areia,...Quem samba na beira do mar, é sereia... Com seu vestido branco, Clara Nunes certamente é a melhor imagem dessa canção.

“O Sofrimento de quem Ama”, de Alberto Lonato, e “Tudo é ilusão”, de Éden Silva e Raul Moreno, (5ª canção do disco) demonstram que além de grande intérprete, Clara Nunes é rainha na arte de transmitir alegria e esperança com temas tristes.

Iansã cadê Ogum...foi pro mar... Sua influência de temas afro (esteve várias vezes na África) atinge o apogeu em “Deusa dos Orixás”, de Romildo e Toninho, uma maravilhosa canção em que se misturam elementos do samba e do candomblé. Para apreciar a verdadeira Deusa dos orixás, vale a pena ver essa apresentação: ht tp://www.youtube.com/watch?v=82n6dZ74F3c (que ainda emenda na próxima música).

Pausa para respirar: com toda garra e afinação, Clara Nunes dá ao clássico da música brasileira "Juízo Final”, de Nelson Cavaquinho e Élcio Soares, a sua interpretação definitiva. É o juízo final, a história do bem e do mal...quero ter olhos pra ver a maldade desaparecer... Música para arrepiar...

Se o lado A do vinil fecha em ritmo mais lento e triste com “Valsa de Realejo” , o lado B compensa abrindo com um samba de primeira de João Nogueira e Paulo César Pinheiro (seu marido a partir dessa época). Para de beber, compadre...Meu compadre deixa disso...Larga essa mulher de lado...Lembra do teu compromisso.

Candeia volta a ser cantado em “O Último Bloco”: E hoje volto cantando...me abraço ao violão...e marco o compasso junto do coração. Outra jóia rara desse disco.

Depois de outro samba em alto astral com “Ninguém tem que achar ruim”, de Ismael Silva, Clara Nunes diminui o ritmo para lembrar que “Às Vezes Faz Bem Chorar”, de Ivor Lancelotti, e antecipa o clima de despedida com “Vai Amor” (Monarco/W.Rosa):

Não chore por favor...Porque um bom perdedor não chora Reconhece a derrota se dirige a porta...Abre, diz adeus e vai-se embora.

E para fechar no maior estilo e sem espaço para rancor, Clara emenda “Que Seja Bem Feliz” de Cartola: Que seja bem feliz...E leve-me na mente... Que cresçam suas glórias...E as minhas lágrimas contentes.

Nem sempre a qualidade combina com vendagem, mas até nisso esse disco surpreendeu, ultrapassando a marca de 600 mil cópias vendidas, numa “Clara” demonstração de que tem muita gente de bom gosto. Foi o primeiro de uma cantora – mulher – que ultrapassou essa marca.

Em 1983, após conplicações decorrentes da anastesia em uma aparentemente inofensiva cirurgia de varizes, Clara Nunes deixou esse mundo que conhecemos. Como diria a própria Clara Nunes em “Tudo é Ilusão”, nada dura eternamente...

Felizmente deixou obras como esse disco para que a voz dela continue ecoando nos nossos corações.

[Paul]

Efêmera - Tulipa Ruiz (2010)

2011-06-24T22:28:00.009-03:00

Voz quente e marcante, afinada e afiada, sonoridade lúdica: Tulipa Ruiz, a novidade que veio dar à praia.

Sua música traz elementos inusitados, temas cotidianos tratados de maneira diferente, arranjos improváveis. “Efêmera” está cheio de referências – umas reais e outras imaginadas por mim.

Um cd pra lá de inventivo, super gracioso, dando aquela impressão de que tá todo mundo curtindo estar lá, fazendo aquele som.

Sem dúvida o cd traz na mochila muita Tropicália, mas junto tem muito da Vangarda Paulistana também – tá no sangue, já que seu pai, Luis Chagas, foi guitarrista do Isca de Polícia…

Mas também tem psicodelia, tem a alma da Rita Lee e muito de Tulipa, que compõe quase todas as canções.

“Efêmera” abre com som rasgado e regado a sopros e delicadeza. Dicção precisa, sotaque paulistano e amigas ao redor: Tulipa Ruiz está muito bem acompanhada com as vozes de Céu e Thalma de Freitas.

“Do Amor” é sem pressa, como uma estória bem contada deve ser. E de repente uma surpresa! A música fica imensa, cheia de vida. Uma explosão. Uma tradução única do amor. E depois a música se recolhe e você volta à terra…

“Pedrinho” é safada. Começa como quem não quer nada e vira um sonzão cheio de malícia. Roquenroll com uma bateria e guitarra que me lembra muito “The Truth Is In The Dirty” de Karen Elson com Jack White.

Muito boas mesmo, as duas!

Em “A Ordem das Árvores”, Tulipa Ruiz swinguinifica Gil! Deita e rola em tudo que a Tropicália nos deixou de melhor. Descontraída, do avesso, a ordem das árvores não altera o passarinho!

Música deliciosa.

“Sushi” é linda. Músicafalada, estridente, certeira. Uma espiral de palavras e de sons que te embala numa viagem oriente.
“ Então, vem, chega mais perto

Devolve já meu coração

Que tal sair desse aperto

E decretarmos solidão a dois”

Um caso à parte – “Brocal Dourado” – psicoldelia e dancing days total. Artesanato musical. Astral e ritmo adequado para cabeças alteradas. História de amor bordado à mão e mix de sambinha, pedal valvulado.

“Da Menina” é Rita Lee nas suas viagens femininas. É toda uma estória: música-ritual que só a quase- mulher é capaz de decifar e reconhecer-se nela. Trilha sonora para as Marinas…

“Só Sei Dançar Com Você” é circular e envolvente. O som te teletransporta e te conta da parceria perfeita: a loucura conduzida suavemente e transformada num balé singular e a dois. “Só sei dançar com você, isso é o que o amor faz”. Maravilhosa, um jogo de esconde-esconde.

“Efêmera” medita sobre as palavras e permanece para sempre: Anti-Efêmera.

[ANDRÉA]

New Wave à brasileira (Magazine, 1984)

2011-06-24T11:08:00.007-03:00

Em qualquer compêndio ou boa enciclopédia de rock/pop, ao pesquisar o verbete “Magazine” você encontrará: “banda formada por Howard Devoto logo após sua saída dos Buzzcocks, em 1976. O primeiro trabalho do conjunto é o LP Real life”. Sobre o Magazine brazuca, nada. No máximo, alguma nota de rodapé.

O relativo esquecimento do “nosso” Magazine é uma injustiça que poderia (deveria) ser reparada. A banda, capitaneada pelo DJ/VJ/agitador cultural multiuso Kid Vinil, é importante representante da chamada “new wave” brasileira. Em comum com o xará britânico, nosso Magazine também é oriundo de uma conceituada banda punk, o Verminose. O quarteto (além de Vinil, Ted Gaz na guitarra, Lu Stopa no baixo e Trinkão na bateria) fez sua estréia oficial em 1983, na cena paulistana.

Magazine, o álbum de estréia do grupo (1984), é um primor. Tosco, rude, bruto, de uma simplicidade franciscana. A partir da capa (uma homenagem bem-humorada ao movimento new wave, no auge da moda no Brasil naquele momento), o recado é claro: rock simples, sem grandes concessões ou pretensões. Poucos acordes e muita alegria. Simples assim.

O disco abre com “Adivinhão”, um rockabilly à brasileira de pouco mais de três minutos de duração. “Você anda namorando a minha filha com segunda intenção/você anda namorando a minha filha pra poder botar a mão/o teu negócio é andar de lambreta, quando fala em casamento você faz careta”. Hilário.

O disco segue com “Pau na marginal” (rachas num fim-de-semana qualquer em Sampa), “Não” (popzinho inspirado em Paul Anka), “Meu bem Lollipop” (mais um som cinquentista), “Tô sabendo” (“eu sei que você sabe que eu não sei que você sabe que eu sei”, alucinante) e por aí vai.

O grande momento, claro, é o hit da banda. “Sou boy” foi das faixas mais tocadas na época e rendeu bons “fruto$” para o grupo – chegou a ser usada em comercial da GM. A canção, hino dos boys de todas as gerações, narra as aventuras/desventuras durante um dia na vida de um office-boy:

“Acordo 7 Horas tomo o ônibus Lotado
Entro 8 e meia, eu chego sempre atrasado
sou boy, eu sou boy, sou boy
boy, sou boy

Atento 8 e Meia eu tenho que bater cartão
Mal piso na firma tem serviço de montão
eu sou boy, eu sou boy, eu sou boy
boy, eu sou boy

Ando pela rua pago conta pego fila
Vou tirar xerox e batalho algumas pila
sou boy, eu sou boy, eu sou boy
boy, eu sou boy

Na hora do almoço a minha fome é de Leão
Abro a marmita e o que vejo? Feijão!
Chega o fim do mês com toda aquela euforia
Todos ganham bem e eu aquela micharia
Sou boy, eu sou boy, eu sou boy
eu sou boy

E logo chega a tarde estou com pressa de ir embora
Meus pés estão doendo e meus calos estão pra fora
Sou boy, eu sou boy, eu sou boy
boy, eu sou boy

Bate 5 e meia a Sé tem filas infinitas
ônibus lotado e cai da mala minha marmita
Sou boy,eu sou boy, eu sou boy...
boy, eu sou boy

Na hora do almoço a minha fome é de Leão
Abro a marmita, e o que vejo? Feijão!
Chega o fim do mês com toda aquela euforia
Todos ganham bem e eu aquela micharia
Sou boy, eu sou boy, eu sou boy
eu sou boy”

O sucesso foi imediato e fugaz. O Magazine apareceu em todos os grandes programas de auditório, tocou no Fantástico, deu shows de Norte a Sul, fez abertura de novela global (“Comeu”, versão de uma canção menor de Caetano Veloso) e, depois, sumiu. A fórmula estava esgotada (ou ultrapassada, talvez). A marca do Magazine, porém, estava assegurada.

Kid Vinil continuou na cena cultural brasileira, teve programa na MTV e volta e meia aparece em algum evento rock´n´roll. Em meados dos anos noventa, trombei com ele na entrada de um show dos Ramones em São Paulo (“Kid, você pode arranjar para a gente uns ingressos do show?”). Mas essa é outra história...

[XAMPU]